Musicos Ticos. (Datos,fotos,videos,anècdotas,vivencias,actualidad)

Merengue tipico

2010-09-10T23:04:00.000-07:00

1 de mayo, dia de las protestas

2010-05-02T13:43:00.000-07:00

Como es tradicional, el 1 de mayo se reunieron cientos de agrupaciones para manifestarse y decir presentes en un mar de incomodidades o peticiones al gobierno.

Aca algunas fotos.

Banda de musicos jovenes ticos

El final de la caminata,

Los mejores logos de los 80s

2010-02-17T18:08:00.001-08:00

Hubo grupos que se preocuparon por tener un logotipo, y obtaron por conseguir un creador o artista.
En ese tiempo se hacian a mano por lo que cada uno se merece la admiracion!
A continuación los mejores..

.

Rrequete

2010-02-05T20:35:00.001-08:00

Grupo consolidado que ha tenido un exito en los eventos enfocados al turismo extranjero.

Ha integrado a muchos excelentes musicos. Una particularidad es que siempre ha contado con la voz femenina.

Por lo que su repertorio se extiende hasta cientos de canciones.

Tiene repertorio de musica Judía, italiana, Ingles, Latina etc.

Algunas fotos del grupo actual.

En una de esos viajes a Guanacaste.

(foto en caldera)

Ana Roldan

Bernal

Algunas publicaciones

http://www.nacion.com/viva/2006/noviembre/25/espectaculos907282.html
http://www.nacion.com/tiempolibre/2006/agosto/11/envivo8.html
www.aldia.cr/ad_ee/2005/agosto/.../farandula.html

Homenaje a Bob Marley y Santana

2009-12-03T20:18:00.001-08:00

Buen chivo en el Caballo Blanco en Moravia.
Invitados Gene Chamber, Roberto Moscoa en la Trom, Arturo(chizo) en sax.
El paisa en las congas junto con Toto.

Pintame angelitos negros

Los Staff de los Musicos

2009-11-09T20:17:00.000-08:00

El famoso Seferino (personaje de los 80s)

Este señor es Edgar Vega, es chofer de varios grupos, alegre, servicial y "cobra muy barato"jeje

Este es Jhon Jeton "coolaborador y bailarin de algunos grupos

Rafa y William

Marvin Flores

Don Luis Domingues (contador,coolaborador y bailarin)

Siempre hay gente que ha estado detras de los musicos.

Estos son, Manager, Conserjes o tecnicos, Choferes, Secretarias,Sonidistas, etc.

Ellos son muy importantes para los grupos y musicos.

No tengo fotos de todos. Si recuerdo los nombres de varios que han sido hasta personajes.

Ej:

Chicharron, los Sherman, Seferino,Eli, Torres,Jabon, Fofo, Cornelio, Olafo, entre cientos mas..

Algunas fotos y referencias de musicos ticos

2009-08-14T07:57:00.000-07:00

Uno de los mejores bajistas de este pais: Mario Alvarez. Es interminable la lista de grupos en que ha estado. Entre ellos La Pandilla, La Maffia, y muchos grupos de Jazz.
Bass player Mario Álvarez performed with Federico Miranda for the first time at the 2003 International Guitar Festival.

Graduated of the Castella Conservatory, with advanced musical studies at the University of Costa Rica .

Live and session musician

Roger Morera, estuvo con los Hicsos

Aca, esta Rupert Cisneros y Sandi en Marsol.

Josvany,Mario Solano y Alex Sandoval

Por algo le dicen el Loco Manso (Royner)

Percusionista y cantante de buena trayectoria. Entre los grupos que ha tocado estan, Kike de Heredia. Y tambien tiene su propio grupo.

Este es el grupo que toco en el Hotel Barcelo,playa Tambor. Reconosco a Mayi,Walter y Sharpei

Amigos intimos: Walter,Javier,Juan C. y Luis Rojas

Ricardo,Zanon y Martin (grupo Acusticos)

Harol, es pianista y percusionista, toco con la Seleccion.

Miguel Sanchez,percusionista y cantante. De los fundadores del Chiqui Chiqui

Ricardo Molina,toco con Karibu entre miles de otros. Bajista Cantante, gran musico mañoso, y experimentado.

Los recordados Abejorros

Video en el Tirol, la pandilla con el Criticon

Rogelio Sisneros, cantante de Gaviota, ahora Solista, de gran trayectoria artistica y muy conocido.

Juan Carlos Ureña,Cantautor estuvo con la Oveja Negra. Actualmente reside en EU con su esposa que tambien canta

Luis Rojas.

Excelente Bajista. Ha estado con la Pandilla,La Seleccion. Actualmente acompaña a artistas como la "India" entre otros. Vive en Miami, y es director de un espectaculo en Disney World (Orlando)

ESTE ES PAQUITO BERROCAL. GRAN MUSICO CANTANTE Y PERCUSIONISTA QUE HA INTEGRADO MUCHOS GRUPOS IMPORTANTES COMO LA PANDILLA, LA SELECCION,LOS AVENTUREROS ,LOS NAVEGANTES Y AHORA CON WEEKENDS. TAMBIEN VIVIO VARIOS AÑOS EN EU, DONDE TRABAJO Y CANTO CON VARIOS ARTISTAS MAS.

Allan Mck Person

Estuvo con Pimienta Negra,Los Musicos. Gran Cantante, actualmente reside en EU.

Walter Carrillo.

Estuvo en el Hotel Barcelo, Tambor, ademas de varios grupos de Puntarenas. Actualmente es pianista del Hotel Conchal (2009)

Alex Sandoval.
Guitarrista de Musica de Jazz y Popular. Actualmente es Solista y a veces acompaña a diferentes cantantes de Trova.
Ha estado entre otros con la Maffia, Los Musicos etc

Diego Fournier ,de un linaje de musicos,

Toco con la Banda,Los Hicsos,Los Bandoleros,Chechere, ha viajado por el mundo con su musica al lado de muchos otros grandes musicos.

ahora su hijo Felipe Fournier es un destacado musico que toca el vibrafono y percusion.

La Maffia

2008-10-11T17:33:00.001-07:00

La historia de la Mafffia se inicia con don Nelson, quien un dia nos dijo: Cuando quieran tener su grupo propio me dicen y les compro todoo.
Asi lo hicimos 5 que estuvimos en la Pandilla:

La Pandilla, antes de la transcision a la Maffia. De estos salieron 5:

jhonny,Arturo,Mario,Pineda,Capullo,Tony,Erick y Pino:

Este Grupo, en mi experiencia fue el que mas se trabajo musicalmente. Su Sonido y "Sabor" conquisto todo el pais. Y con Aquel Bus impresionaba donde llegaba.

Cuando eramos famosos..

Fotos de Prensa

2do aniversario

Este Grupo tuvo origen en la Pandilla, 5 integrantes: Mario,Pino,Jhonny,Arturo,Omar, se unieron para formar la Maffia. Adjuntaron otros musicos como Rigoberto Amalla,Javier Alfaro,Miguel Sanchez,Carlos Villalobos. El financiamiento lo hizo el "finado Pin" quien con sus empresas de Textiles era como un jobi el grupo. compro aquel Bus con baño, para viajar con todo el equipo y "la Familia".

Aca las Chicas del Can:

En un vuelo a los Angeles California. Año 84 (creo)

Tuvo exitos como Susana,Con Medio Peso,Los Musicos,Estelita entre otros.
Alterno con Jossie Esteban,Ismael Miranda, Las Chicas del Can, Cutito Larrinaga y no me acuerdo mas,,

Musica con Amor

2008-08-19T15:07:00.000-07:00

Musica con Amor, un concierto donde incluia a Paloma San Basilio, Ricado Montaner, y el Buki.
Banda chiquichiqui, sirvio de plataforma para que se presentaran varios musicos de la epoca de los 80s. Fue como volver al Pasado y compartir con viejos compañeros.
La salida como se acordo.

El concierto empezo con un gran aguacero pero aun asi llegaron mas de 16 mil personas.
La tarima impresionante,

La Organizacion "excelente". Nos trataron como artistas, como a Ricardo Montaner El buki. Buena comida y bebida en todo momento.

La musica Se redujo como a la mitad del repertorio, no se toco ni la avispa ni se hizo lo de: te acordas...

Fue un llenazo! Aqui algunas fotos del elenco "Telonero"
La belleza la aportaron las 3 chicas de la Una, joselyn y compañeras

Julieta ta con Baby Rasta

Ya en el Show:

La gente ya estaba llenado el lugar, con un buen aguacero, y su paraguas,aplaudieron cada cancion

Rupert Cisneros:

Habia equipo hasta para tierar para arriba!

Mosaico de Boleros de la Banda

Algunas otras tomas...

Fue un Total exito.

Algo Verdaderamente Tico

2008-05-21T08:58:00.000-07:00

Mal Pais

2008-04-02T12:03:00.000-07:00

Malpaís, amigos del barrio
Claudia Durán Ch.
pplana@colper.or.cr

"La música que siempre hemos hecho de pronto la gente la descubrió".

"Malpaís en Vivo" sale al mercado el próximo 1º de diciembre".

"¡Ya vas a jugar con tus amigos…!", sentencia la esposa de Manuel Obregón, cuando este músico costarricense se reúne junto con Gilberto Jarquín, Iván Rodríguez, Carlos "Tapado" Vargas, Jaime y Fidel Gamboa para dar vida al fenómeno musical llamado "Malpaís". Este grupo de música autóctona, tiene una extraordinaria interpretación musical que le ha valido desde hace cinco años, imponerse en el gusto de los costarricenses de todas las edades.

De "Malpaís" se puede decir mucho: por ejemplo, que es uno de los grupos musicales que logra reunir, sin gran publicidad comercial a más de 5000 personas, que cuentan con más de 10000 copias vendidas de su primer disco "Uno", el cual consigue romper las barreras generacionales. En sus conciertos comparten por igual hijos, padres nietos y abuelos, pero más allá de todo esto, "Malpaís" es hoy día uno de los mejores grupos nacionales el cual, por medio de su música logra transportar a su público por los paisajes más propios del costarricense y por historias únicas: "Otro lugar" que está en cualquier parte de este país, pasando por "El portoncito" que puede encontrarse en el espacio donde uno menos se imagina, hasta perderse "Más al norte del recuerdo", en la inigualable llanura guanacasteca.

Primera Plana conversó con Manuel Obregón, pianista del grupo, con la idea de acercarnos un poco más al Malpaís de ahora, al de los inicios, y al que se desea proyectar con su tercera producción musical "Malpaís en Vivo". Este disco fue grabado en la antigua Aduana y saldrá al mercado nacional a partir del próximo viernes 1º de diciembre.

"Para mí es un placer ser parte del proyecto; la obra importante es la de Fidel y Jaime, nosotros sólo interpretamos, aunque se han convertido estas obras en parte nuestra. Nos ha unido un gran respeto y aprecio hacia el trabajo… hasta el punto, de que ya uno no sabe si las canciones son de Fidel y Jaime o si son nuestras…", dijo Manuel Obregón, con quien disfrutamos de la siguiente conversación:

¿Qué aspecto marca la diferencia en este tercer disco?

En "Malpaís en Vivo" se nota la fuerza que ha adquirido el grupo en cuatro años, el nivel de interpretación ha madurado mucho durante estos años; sin duda, el público va a sentir la intención en este material, una intención más contundente, más precisa y más expresiva. Curiosamente, al ser una grabación en vivo, la calidad de la grabación quedo mucho mejor. Además de la convicción de Fidel para cantar las canciones, suena un grupo más amarrado.

El aporte de cada uno de los otros músicos, como Iván que ha crecido mucho como violinista, de Gilberto, "Tapado" y el aporte de otros instrumentos como la marimba, que no estaba en los discos. Además, la incorporación de los temas nuevos, los cuales son como la ruta hacia donde va la próxima producción. Temas como "Bolero ¿Yo?", "Rosa de un día", "Contra Marea", son algunos temas que no estaban en otro disco.

¿Tiene este material una promoción más agresiva? ¿Van a seguir tocando en Jazz Café?¿Cómo lo van a promocionar a partir de diciembre?

La promoción de este grupo ha sido bien interesante… ¡porque no ha habido promoción! (risas). Ha sido un fenómeno bien extraño que lo ha marcado el público, es decir, ha habido cero inversión en publicidad de ningún tipo; ha sido movimiento por debajo, que lo ha marcado el público y la comunicación de ellos por Internet, a través del foro de la página de Malpaís (www.grupomalpais.com), el cual es muy activo; entonces, nosotros sin hacer publicidad para los conciertos, siempre se llenan. Igual ha pasado con los discos que se han vendido por la gente. Es decir, no hay una estrategia de venta.

¿Ya descubrieron por qué se interesan tanto los jóvenes en su trabajo?

No; esa parte sigue siendo un misterio (risas). Es una cosa rara, porque todos somos músicos viejos, que llevamos mucho tiempo tocando y de pronto nos encontramos con este fenómeno que es "lindísimo". Al inicio pensábamos que iba a ser como una moda de un tiempo y más bien ha ido creciendo y se ha mantenido. Es una relación muy linda de nosotros con el público. Los jóvenes enriquecen mucho el trabajo que hacemos y lo que hemos querido es que esa relación sea en las dos vías.

El público nuestro va desde niños, (tengo una nieta de tres años que es fan del grupo), hasta los abuelos. Es un público muy amplio, muy familiar.

"Malpaís se ha convertido en una especie de fenómeno social."

¿De todas las cosas que han vivido con Malpaís, cuál es la que más los ha sorprendido?

Siempre nos sorprende la reacción del público en los conciertos. Es un espectáculo verlo desde el escenario, ver la expresión de las caras del público cantando esas canciones, porque están realmente como trasportados.

Cuando hicimos los conciertos en La Aduana, creíamos que iban a llegar 500 personas…Cuando llegaron alrededor de 4000, eso sin duda nos alertó, fue un síntoma de que algo estaba sucediendo y nos volvimos a ver entre nosotros con incredulidad, cuando la gente cantaba las canciones.

¿Si pudieran integrar un músico de la historia cuál sería y por qué?

Debería ser algún artista nacional, porque es lo que representa Malpaís. Nosotros somos representantes de un nuevo folclor, cada uno de nosotros tiene un aporte diferente. Se me ocurren algunos nombres que a mí me hubiera encantado que hubiesen sido parte del grupo, aunque, de alguna manera lo han sido, como es el caso de Ray Tico, uno de los músicos que más admiro, y también José Capmani.

¿Qué canción se robaría?

Cada uno nos robaríamos canciones diferentes. Yo tengo mucha empatía con artistas que trabajan con el folclor. Posiblemente, me robaría la canción "500 años" de León Gieco.

¿Cuál es su nota preferida?

La sol. La nota y tonalidad de sol, de alguna forma está en la mayoría de los temas que yo he compuesto.

¿Cuál considera el concierto perfecto?

El que logra un acuerdo entre el público y el músico. Cuando uno sale con esa "sonrisa en los labios", de que realmente se dio por un momento mágico una comunicación entre el público y el artista…Yo creo que ese es el concierto perfecto.

El concierto del día sábado para "Malpaís en Vivo"… se asemeja a un concierto perfecto.

¿Qué composición o canción les ha costado más?

De las recientes el tema "Bolero ¿yo?", creo que es muy complejo y con muchos acordes; es uno de los temas que más nos ha costado. Y de los más antiguos "La Mazurca de Dámaso", otro de los temas que nos está costando sacar.

¿Por qué son importantes los sueños?

Por que de alguna manera reflejan nuestros deseos más íntimos, son como una válvula de escape. Nos revelan la parte nuestra que no realizamos. Lo mejor es cuando logramos interpretar bien esos sueños y los traducimos en realidades. A mí me sucedió eso con la Orquesta de la Papaya, que fue un sueño que yo tuve por mucho tiempo, y hasta que me di cuenta de que sí era posible. Pienso que hay una mezcla entre la voluntad real de creer en algo y ver cómo eso se transforma, con una dosis grande de trabajo y de necedad.

¿Cuánto se involucran en la parte de diseño de las portadas de los discos y la producción de este tipo?

Siempre hay un diseñador que maneja un concepto con la consulta del grupo, siempre el grupo se involucra.

¿Van a realizarle videos a las canciones?

Es algo que tenemos pendiente, porque nos lo piden en muchos lugares. Tenemos un esquema de trabajo de filmación para el próximo año, en la zona de Guanacaste, especialmente para el verano. Para los meses de diciembre, enero y febrero y podremos así realizar un par de videos.

¿Tiene planeado algún DVD del material "Malpaís en Vivo"?

No, esta vez no. Lo que sí queremos hacer es un DVD con el concierto que hicimos con la Orquesta Filarmónica.

¿Cómo está Malpaís hoy?

¡En el mejor momento...! y esto por varias razones; existe una gran motivación de todos los músicos, que ha la generado el público y el hacer conciertos de calidad. También, considero que hay un momento muy bueno a nivel musical… que nos ha llevado a superarnos a todos. Malpaís es un grupo que está en un buen momento creativo y musical; contra todo pronóstico es también un proyecto a largo plazo.

¿Y después de esto que viene?

Queremos dar a conocer nuestra música en otros países como España, México, Argentina y esperamos hacer un trabajo fuerte el próximo año. Este nuevo material nos va servir. Y deseamos realizar intercambios y colaboraciones con artistas latinoamericanos, que estén en la tendencia nuestra de canción de autor con raíces en la música tradicional.

"Es un placer tocar, es como un niño que va a jugar con sus amigos del barrio; nos conocemos de toda la vida… y ahora el público se ha incorporado como nuevos amigos… de la forma más sencilla, sin más pretensión que disfrutar el puro placer de la música."

Los "amigos del barrio" son:

Fidel Gamboa: voz, guitarra, flauta y arreglos.

Jaime Gamboa: Bajo y coros.

Iván Rodríguez: Violín, mandolina y coros.

Carlos "Tapado" Vargas: Percusión.

Gilberto Jarquín: Batería

Manuel Obregón: piano, teclado, marimba, caracol y coros.

Las fotos son del nuevo disco "Malpaís en Vivo".

Homenaje a Periquin

2008-03-17T19:32:00.000-07:00

Que bueno que se valore a este

gran Artista Costarricense, que tuve el honor de compartir tarima a mis 13 años en Alfa 7.

Felicito a ACAM por su contribucion.

Swing en 4

2008-02-20T12:32:00.000-08:00

Luis Monge
luismonge@swingen4.com

Pianista con estudios formales en México, Costa Rica, Alemania y Nueva York. Obtuvo maestría en ejecución solista de la Escuela Superior de Música de Munich-Alemania. S

Luis Monge
luismonge@swingen4.com

Pianista con estudios formales en México, Costa Rica, Alemania y Nueva York. Obtuvo maestría en ejecución solista de la Escuela Superior de Música de Munich-Alemania. Su temprana sensibilidad y afinidad por la música latinoamericana y el Jazz le permitieron desarrollar no sólo la improvisación, sino gradualmente el arreglo y la composición. Se encuentra activo constantemente como solista, acompañante y compositor. Su experiencia y carrera incluyen conciertos y grabaciones con reconocidos artistas de música moderna latinoamericana, jazz latino y música de cámara. Ha impartido cátedra musical y pianística en universidades de Alemania, Nueva Jersey / EUA y Costa Rica. Con la colaboración de la Universidad Nacional de Costa Rica ha impulsado un plan de formación pianística intensiva para niños y jóvenes en coordinación con el Instituto Superior de Artes,cuyo resultados son reconocidos internacionalmente.

Ha recibido premios y reconocimientos en New York y Costa Rica. Con SWING en 4 realizo una gira en el 2001 en Alemania y pronto saldrán al mercado discos con música propia, repertorio clásico y con SWING en 4.

u temprana sensibilidad y afinidad por la música latinoamericana y el Jazz le permitieron desarrollar no sólo la improvisación, sino gradualmente el arreglo y la composición. Se encuentra activo constantemente como solista, acompañante y compositor. Su experiencia y carrera incluyen conciertos y grabaciones con reconocidos artistas de música moderna latinoamericana, jazz latino y música de cámara. Ha impartido cátedra musical y pianística en universidades de Alemania, Nueva Jersey / EUA y Costa Rica. Con la colaboración de la Universidad Nacional de Costa Rica ha impulsado un plan de formación pianística intensiva para niños y jóvenes en coordinación con el Instituto Superior de Artes,cuyo resultados son reconocidos internacionalmente.

Danilo Castro

Inicia sus estudios musicales en el Programa Juvenil de la Orquesta Sinfónica Nacional, en especialidad de contrabajo en el año de 1989. En 1990 ingresa al Conservatorio Castella graduándose en 1992 en especialidad música - contrabajo. En 1993 continua sus estudios superiores en el programa de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Costa Rica, viajando así en 1997 y 1998 al Festival de música "Casals" en donde actúa esos 2 años como principal contrabajista de Orquesta Sinfónica Juvenil de las Américas. También en 1997 actúa como músico invitado de la orquesta Sinfónica Juvenil Iberoamericana y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Nicaragua. Actualmente es integrante de la Orquesta Sinfónica Nacional. También a colaborado como arreglista del proyecto Indiana Bass Ensamble, entre otros. En el área de música popular ha tenido un desarrollo amplio como bajista eléctrico, tanto en proyectos de grabación como bajista activo de diferentes agrupaciones en el ámbito nacional, y también colaboraciones con artistas internacionales como Luis Enrique Mejia Godoy, Tanya Libertad, Luis Bonilla, entre otros.

Carlos Sanders
carlossanders@swingen4.com

Nació en la provincia de Limón, recogiendo influencias de la música negra, blues, regué jamaiquino y la salsa neoyorquina. Inicio estudios de música como una forma de desarrollarse e informarse sobre la música culta. Ingresó a la UCR, ahí recibió clases con el maestro Fernando Meza, donde conoció los fundamentos clásicos. Formo parte como baterista de Orquestas para acompañar solistas internacionales, tales como: Angélica María, Raúl Diblasio, Armando Manzanero, Luis Aguilé, etc. Además integró las Orquestas Nacionales de Festivales Eliminatorios para solistas. Juntó a la cantante Miriam Jarquín, el bajista Carlos Pardo y el guitarrista Alberto Chávez, formaron una de las mejores bandas de hard rock "D.C.O." Fue el primer baterista de Centroamérica patrocinado por la firma de platillos Zildjian. Baterista de apoyo para el programa de intercambio con músicos internacionales del CCCN (Centro Cultural Costarricense-Norteamericano), acompañando a los mejores exponentes del genero jazzistico del "Berklee College Music", tales como:

Víctor Mendoza, Farid Jaketh (ex guitarrista de Sting), Jim Molakim, Rick Appleman (ex profesor de John Patitucci), entre otros. Integró la Orquesta Sinfónica Nacional como baterista en el cierre del Festival Internacional de las Artes (FIA), baterista de la Orquesta de la Opera "Evita Perón" y baterista titular de la Orquesta Internacional del Festival O.T.I.. Es co-fundador de la Academia de Música Moderna (San José), en la cuál es Instructor de batería y del Instituto de Música Contemporánea en Cartago, en el cuál es Director del Departamento de batería. Ha tocado en Centro, Sur y Norteamérica. Con SWING en 4 realizó una gira a Alemania en el 2001.

Vinicio Meza
viniciomeza@swingen4.com

Obtuvo el Bachillerato en Música del Instituto de Música Curtis en Filadelfia-Estados Unidos y la Maestría en Música de la Universidad Estatal de Florida. En Costa Rica ha recibido el Premio Nacional de Música en Ejecución Musical y el Premio Nacional Aquileo J. Echeverría en Composición Musical, el Premio al Compositor del Año en la categoría de música formal otorgado por la Asociación de Compositores y Autores musicales en el y el premio Ancora en música. Ha sido el compositor invitado del XI Festival Internacional de Música. Es compositor y arreglista de música sinfónica, música de cámara, jazz y salsa. Varias obras han sido comisionadas por grupos como la Orquesta Sinfónica Nacional, Cuarteto Trombones de Costa Rica, Quinteto de Maderas Miravalles, Octeto Académico de Caracas, Indianapolis Bass Ensemble, Ensemble Capriccio de Minnesota y otros. Como clarinetista ha participado en varios festivales musicales como el Festival Musical del Pacífico en Japón, Festival Musical de Evian en Francia, Festival Musical de Graz en Austria y Festival Internacional de Mozart en Isla de Reunión.

Ha sido solista con la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Juvenil Interamericana en Puerto Rico, y la Orquesta de la Academia de Arte de Interlochen en Michigan, Estados Unidos. Es miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional y profesor de apreciación musical en el Instituto Tecnológico de Costa Rica. Fue compositor, arreglista y director de la orquesta de salsa Soncaribe. Con este grupo y SWING en 4 realizó la música de la película de Oscar Castillo "Asesinato en el Meneo".

Directo al Corazon

2008-02-12T22:31:00.000-08:00

A continuacion algunas fotos de un concierto que reunio varios artistas de los 80's
cantantes de la Epoca como: Javier Cartin, Sergio Garrido,Omar Briceño,William Fallas,Jenny Castillo,Rogelio Cisneros, Fredy Rojas.
Ademas de los coristas Arlin de Expresso,
Allan Rodriguez y Erik Leon (un saludazo)

Hubo 5 ensayos!. (3 con los cantantes.)

Aunque no hubo entradas de cortesia, vi muchos "colaboradores", como varios sonidistas, muchos ayudantes, y exayudantes,un cuidador de la cortina, "musicos ticos" etc. todos "parte del elenco"

El primero Gerardo Ramirez con el microfono apagado, pero luego se monto bien luego. Al final la gente lo aplaudio bastante. Siguieron los demas sin incidencias mayores! y a cada uno los aplaudieron con mucha ovacion. La conduccion la hizo Carlos Alvarez, que paso con los brazos cruzados todo el tiempo y hablando muy bajito, y piropeado por mas de una femina del publico. Omar Briceño quiso poner a bailar la gente. Javier con las mangas afuera hablò muy fluido. William Fallas con su "look" de Felix Angel L., subio a sus dos hijos y le dio Gracias a Dios, Jenny canto de Medio lado, Fredy Rojas hizo el Show de Pimpinela, Rogelio fue el final y una gran presentacion con sus anecdotas de humildad.
Nunca se supo como se llamaba el grupo que acompañò a los cantantes. Era Banda Chiqu Chiqui fue el grupo de planta

Aqui un poco de los "contratados"

Lamentablemente no me dejaron tomar fotos, solo en la prueba de Sonido pude y detras de Bambalinas, que porque es prohibido! entonces porque es Teatro Publico y Popular? Bueno son ironìas de la vida. Aqui les dejo algunos parchones...

Homenaje a los Musicos Ticos ya marchados...

2008-02-01T13:07:00.000-08:00

Hola amigos,ya hace tiempito que no escribo nada. Es que no he estado en los lugares con la camara, y siempre me gusta hacer yo mismo los reportajes.
Bueno aqui les dejo una noticia que me alegro mucho...

Un homenaje a grandes músicos ticos

Aunque el tiempo ha pasado y las nuevas generaciones tal vez nunca los han escuchado, la segunda mitad del siglo XX en Costa Rica fue cuna de grandes orquestas, de exitosos cantantes y de famosos compositores que pusieron a bailar y a cantar a más de uno.

Es por esto que la Junta de Protección Social de San José (JPS) tomó la decisión de imprimir -en los enteros de lotería que se jugarán este domingo 21- los rostros de diez de los músicos ticos más destacados de años anteriores: Gilberto Hernández, Ray Tico, Sandra Solano, Rafa Pérez, Paco Navarrete, Jorge Duarte, Lubín Barahona, Rosario Coto y Otto Vargas.

Los detalles. Este proyecto, que inicialmente se llevaría a cabo en marzo de este año, se pospuso debido a que no fue sencillo obtener los derechos de la música de algunos de los artistas a los que la JPS había aceptado rendir homenaje, así como la información necesaria y algunas de las fotos (con la calidad requerida), explicó Margarita Barahona, encargada de prensa de esta institución.

Ella agregó que cabe la posibilidad de que el próximo año se emita un entero que incluya a otros músicos costarricenses de antaño, como Ricardo Mora.

Accidende a Isidor Ash

2007-11-05T16:30:00.000-08:00

• Isidor Asch grave en Hospital México:

LÍDER DE MARFIL SE CORTA BRAZO DE TOCAR CON PUERTA DE VIDRIO

Ariel Chaves González
achaves@diarioextra.com

Isidor Asch, líder de Marfil, está grave tras sufrir un corte en el brazo izquierdo. En la foto, junto al presidente Óscar Arias en la entrega de un reconocimiento por su aporte a la música costarricense.

Mientras amenizaba la boda de dos norteamericanos en el hotel Villa Caletas, en Jacó, la mala suerte llegó al popular grupo Marfil cuando su líder Isidor Asch topó con una puerta de vidrio y tras el impacto una esquirla le cortó el brazo izquierdo, por eso debió ser trasladado de inmediato al Hospital México. Ayer al mediodía fue intervenido quirúrgicamente.

Consultado su amigo y compañero “Tipí” Royes, la mala racha empezó algunos minutos antes porque su chofer Jorge Barboza también fue víctima de otra puerta de vidrio poco iluminada, contra la que impactó violentamente la cabeza y se rasgó una mano, por eso ameritó diez puntos de satura en el Hospital de Jacó.

Los hechos ocurrieron a las 10 de la noche y estaban tocando el set final cuando ocurrieron los incidentes.

“La propia novia nos solicitó que no tocáramos más para que fuéramos al hospital inmediatamente. También la gente del hotel fue muy amable con nosotros y se puso a nuestras órdenes”, expresó.

Royes confirmó que dejaron a su compañero en el hospital a las 2 de la mañana y que espera se recupere lo antes posible.

“Se le partió el músculo que protege el brazo, podía mover un poco los dedos, por eso creo que no le tocó los nervios, pero ese es el brazo de tocar. Creo que el pronóstico es reservado”, sentenció.

A propósito de Marfil, comentó que ayer tenía un concierto en la Feria del Pejibaye, en Tucurrique, el cual cumplió sin la presencia de Isidor. “Vamos a tocar un rato y Pimienta Negra nos va a ayudar también”, comentó Royes ayer a la 1 de la tarde.

FAMILIA

Tania Asch, hija del músico, aclaró que aun ayer en la tarde no tenían muy claro lo sucedido, por eso decidieron no dar declaraciones a la prensa hasta conocer el resultado de la operación que le practicaban a su padre.

“En estos momentos mi papá está en el quirófano”, dijo.

CUENCOS CANTORES

2007-10-06T00:02:00.000-07:00

Los cuencos cantores, cómo son y cómo se usan

Eva Rudy Cansen

El siguiente texto ha sido extraído del libro Singing Bowls. Binkey Kok Publications. Holland, 1992

Material relacionado

Cuenco Tibetano de bronce. 13 cm. de diámetro Ideal para armonización y equilibrio espiritual.

Tibetan Singing Bowls Danny Becher Tres maravillosas composiciones con cuencos tibetanos y gongs chinos para equilibrar y armonizar la mente.

Nota: Para realizar este libro sobre los cuencos cantores, la autora ha empleado el conocimiento y la experiencia de un pequeño número de personas de Bélgica y Holanda, que han estudiado los efectos del sonido y trabajado con los cuencos cantores mucho antes de que este fenómeno se hiciera popular. Debido a esto este libro resulta una antología única y de una valiosa información.

EL ORIGEN DE LAS COSAS

El concepto del sonido como médium capaz de transportar el espíritu humano a un estado diferente de conciencia es tan antiguo como la propia humanidad. Es un concepto que se puede observar en cualquier parte, en todo momento, no sólo en el hombre sino también en animales. Los sonidos sin palabras transmiten mensajes que van acompañados por estados que se extienden desde la tensión a la relajación, inquietud por el sentido de bienestar. Los animales pueden atraerse o ahuyentarse los unos a los otros, tranquilizándose o asustándose entre sí con sonidos. El hombre no es diferente. Toda madre está familiarizada con la comunicación entre ella y su nuevo hijo recién nacido. Responde inmediatamente al llanto del niño y su suave tarareo arrulla al niño al sueño. Esto no es nuevo; es un hecho de la naturaleza que todos podemos utilizar si tenemos la habilidad de producir sonidos. Lo que puede ser nuevo es que algunas personas, como también algunos animales, pueden producir sonidos utilizando objetos en vez de los órganos de sus propios cuerpos. Para empezar, el cuerpo produce muchos otros sonidos: latido del corazón, circulación, digestión. Objetos exteriores al cuerpo también pueden producir sonidos, ya sea por sí solos o cuando los utiliza el hombre. Se pueden lanzar, agitar, golpear, soplar o frotar entre sí. Cada uno de estos sonidos tiene un efecto específico: te pueden poner la carne de gallina o simplemente producir un sentimiento placentero. Hacen aparecer sentimientos y también imágenes.

En los mitos de la creación que se tienen en todo el mundo, el sonido se conoce como fuente de todas las cosas visibles e invisibles. El sonido está guardado en ellas. Al igual que todas las cosas creadas tienen su propio sonido, también cantan su propia canción. La comprensión de que el hombre es una parte de este todo, había sido ya expresada en culturas tempranas a través del uso del sonido. Esto se puede ver en el shamanismo, que es probablemente la religión más antigua en el mundo.

El shamanismo en sí mismo en la actualidad ha abandonado el principio fundamental de que todo hombre tiene perfecta comunicación con sí mismo y los que lo rodean, al igual que con lo sobrenatural. Después de todo, el shaman es aún capaz de realizar esta comunicación, lo que otros no pueden lograr por su cuenta. Y un shaman puede restablecer la comunicación cuando ha sido interrumpida temporalmente.

Para conseguirlo, el shaman hace usos intensivos del sonido. Primero, con un tambor y su voz, pero también con sonajeros e instrumentos de viento. Joska Roos fue el primero en llamarlos los "Los seis Axiomas Shamanísticos": el sonido es el elemento básico.

Antes de que el shaman asumiera el papel del campo de posibilidades que el hombre dispone, cada miembro del grupo (clan, tribu) jugó una parte igual en el ritual. Más tarde, el shaman, hombre-medicina o mago se convirtió en el líder de estos rituales. El propósito era permitir a todos experimentar su existencia, expresar sus sentimientos, y tener su propio lugar como eslabón que conecta los primeros seres míticos, con sus antepasados y con la generación siguiente. A través de la canción, la danza y el tambor, se interrelacionaba con el lugar donde estaba, con la comunidad y con la naturaleza que le rodeaba. Tomaba contacto con su propio espacio interior, con sus contenidos, y con espacios visibles e invisibles externos a él. Podía aplacar a los dioses, demonios, antepasados y a espíritus naturales. Reunía todas sus fuerzas y expresaba todo su erotismo.* De hecho, todavía hablamos de "interrelacionar" para indicar que deseamos establecer una forma intensa de comunicación. Y no interrelacionamos si esta comunicación ocurre. En esta "interrelación", como en las "voces bien determinadas" (la de los dioses, por ejemplo), la gente que parecía poseer un talento definido empezó a desempeñar labores especiales. Además de sus deberes diarios, se convirtieron en líder, shaman o bufón.

Más tarde, la gente que llevaba a cabo estas funciones fue relevada gradualmente de su trabajo diario para que se pudieran dedicar completamente a sus labores especiales. De esta manera llegaron a hacerse importantes, "elegidos", y el sacerdocio fue el siguiente paso natural. En este sentido, llegaron a ser sacerdotes especialmente consagrados, que tenían que estudiar durante muchos años, a veces tenían que pasar varios exámenes, y a menudo se recluían de la vida diaria deliberadamente, para actuar como negociadores. El sacerdote no era una persona más entre la gente, sino que se convirtió en alguien situado tanto fuera como por encima de los demás, con el derecho exclusivo a representar a Dios en la tierra cuando fuera necesario, e incluso a asumir su identidad.

Del mismo modo que siempre han existido descubridores dispuestos a viajar alrededor del mundo para verlo con sus propios ojos, siempre han existido personas que trataron de seguir sólo sus propias percepciones y que se esforzaron constantemente en establecer sus propios lazos entre el mundo interior y el exterior. Muchos de ellos acabaron quemados por herejes o muertos de otras muchas maneras.

Ahora vivimos en una era llamada " La Era de Acuario", que se caracteriza por un gran deseo de ser liberado de toda tiranía. Cada vez más gente se da cuenta de que ellos mismos son responsables. No permitirán, de manera angustiada u obediente, que circunstancias externas les sean impuestas desde arriba. Están buscando una comunicación interna con los mundos interiores y que les rodean, con el "Cosmos", un término usado comúnmente. No necesitan por más tiempo la intervención de un sacerdote-médico: el shaman. Es por ello por lo que hay tanto interés en los diferentes medios y formas por los cuales un hombre puede restablecer la comunicación interna. Por eso hay un interés creciente en el camino fundamental para conseguir esto, por ejemplo, a través del sonido.

PIEDRAS SONORAS Y CUENCOS FUENTES

En Asia, el uso de objetos sonoros es muy antiguo. Por ejemplo, los emperadores chinos tenían derecho a las "piedras sonoras" más hermosas piedras duras, como el jade, que producen un sonido vibrante cuando se las golpea. El primer gran emperador reinó desde e12.000 a.C. Existen documentos de una cultura de la Edad de Bronce en China por el año 1.600 a.C., y hallazgos arqueológicos del norte de Tailandia sugieren que el bronce su usaba ya allí unos 2.000 años antes. Dichos descubrimientos sólo muestran que se fabricaban artículos de bronce desde tan temprano, pero únicamente cuando se encuentren objetos más antiguos será posible decir con cuanta anterioridad en la historia se ha trabajado el bronce. Está claro que en el siglo VI a.C. China estaba muy avanzada en la manufactura de aleaciones de metal y en los trabajos con metales, con los que hacían campanas perfectamente templadas. Es difícil decir cuantas de estas campanas se fabricaron antes de esa fecha, hasta que nuevos descubrimientos nos lo permitan. Es obvio que ninguna cultura pueda repentinamente, de un día para otro, fabricar una campana templada que pese más de 45 Kg., dejando atrás una campana que produce dos tonos puros diferentes, dependiendo del lugar donde se la golpee. Debe haber una historia anterior. El estudio del sonido y los efectos de las vibraciones estaba tan avanzado en el siglo V a.C. que los llamados "cuencos fuentes" se hicieron en ese tiempo. Estos cuencos de bronce tienen unas formas y dimensiones muy específicas. Cuando uno de estos cuencos se llena con la cantidad de agua necesaria y las asas pegadas a un lado del cuenco se frotan de una forma determinada con la palma de la mano, una fuente de agua fluye, y se produce un sonido parecido a un canturreo.

Los cuencos se utilizan todavía en Japón, por ejemplo, como campanas que reposan en el templo, pero sin el badajo. Están fabricadas con una aleación de un metal negro producen un sonido corto y más bien "seco". El sonido cantor de la aleación de varios metales se ha usado intensivamente en muchos gongos diferentes encontrados en Asia.

El descubrimiento de que los objetos de metal producen sonidos se realizó en todo el mundo, y con toda seguridad, los cuencos pequeños de metal y con forma de casco se conocían ya en el 1.100 a.C.

Con estos cuencos, puedes golpear la "frente" junto al tabique nasal y el punto de la "sien" en el borde del cuenco para producir dos tonos distintos con un intervalo de un tercio de tiempo exactamente. Esto no es de ninguna manera una coincidencia. En el arte de los armónicos cantantes (por ej., producir una nota más alta por encima de una nota básica particular usando cavidades resonantes de la cabeza y el cuerpo) se ha demostrado que el intervalo de un tercio produce el mismo resultado. Los fabricantes de cuencos ya han descubierto que esto se debe a la forma de casco de los cuencos; la distancia entre el "tabique nasal" y la "sien" produce un tercio mayor. Estos cuencos son los objetos más antiguos que se pueden describir como “cuencos cantores".

CUENCOS CANTORES, PLATOS PARA SACRIFICIOS, PLATOS PARA ALI MENTOS

Las rutas de caravanas de Asia no sólo transportaban mercancías para comerciar, sino que también servían para la difusión de conocimientos y religiones. Los shamanes viajaron al sur por Mongolia y el Budismo cruzó los Himalayas desde la India al norte. El Shamanismo y el Budismo se vinieron a encontrar en el Tíbet. La religión original del Tíbet fue la religión shamanística-han mística Bón. En el siglo VII d.C. el famoso rey Srongtsen (o nombre completo Srong Btsan) Gampo se casó con dos princesas, una del Nepal y la otra de China. Ambas mujeres eran budistas devotas. Poco a poco, se desarrollaron otros dos nuevos movimientos: el Lamaísmo, que es budista esencialmente, y que revela influencias Bón muy fuertes; y por otro lado la religión Bón, que es actualmente una especie de rama shamanística del Budismo.

Ambas ramas del Budismo Tibetano hacen un uso intensivo del sonido en sus rituales y meditaciones. Pero si le preguntas a un viajante del Himalaya si ha escuchado alguna vez cuencos cantores en un monasterio, o si preguntas a un tibetano si los cuencos que conocemos como cuencos cantores son, o han sido en algún momento utilizados como cuencos cantores la respuesta será siempre negativa. Existen cuencos de metal redondos en fotografías de interiores de templos, y son exactamente iguales a nuestros cuencos cantores; pero estos cuencos se usan como platos para sacrificios. Muchos viajantes regresaron del Nepal con un número abundante de cuencos color dorado que se utilizan para comer. Pero si sólo se trata de platos para ofrendas y de cuencos para comer ¿por qué ese sonido? ¿Y quién los fabricó así? Hay varias versiones sobre quién hizo los cuencos cantores, pero todas apuntan a la tradición shamanística.

En primer lugar, hubo una casta de herreros viajantes que también los sitúa en esta tradición.

¿Fabricaron los herreros del metal estos cuencos por propia iniciativa, o se les encargó fabricarlos? ¿Fueron monjes los clientes que poseían el conocimiento requerido para de terminar la proporción de metales diferentes para conseguir el resultado deseado? Las aleaciones del metal debieron ser llevadas a cabo utilizando un proceso muy especial que las técnicas modernas son aún incapaces de reproducir... Hay también una teoría que dice que fueron los mismos monjes los que trabajaron el metal y fabricaron los cuencos. Pero entonces ¿por qué la gente del Nepal los utiliza para comer en ellos? Nadie ha visto jamás los cuencos fabricados al estilo antiguo, ya sea por los lamas o por los herreros del metal que viajaban de un lado a otro. Estos cuencos se siguen fabricando hoy en día pero se funden y las aleaciones antiguas, no se sigue utilizando.

Según esta tradición, los cuencos se componen de siete metales: un metal por cada uno de los planetas:

Oro: El Sol

Plata: La Luna

Mercurio: Mercurio

Cobre: Venus

Hierro: Marte

Estaño: Júpiter

Plomo: Saturno

Todos estos metales producen un sonido particular, incluido armónico, y todos estos metales juntos producen el excepcional canto del cuenco.

La proporción actual de los diferentes metales varia en cada cuenco y parece que no todos los cuencos estan hechos de los 7 metales. A veces se usan más metales y otras se usan menos. De este modo el autentico cuenco tibetano esta hecho con mas plata y estaño con lo que le daba un brillo mas mate de antracita, mientras que los cuencos de Nepal tienen el familiar brillo dorado.

Sin embargo la explicación que se da a las diferencias de la composición podría ser tambien que los herreros viajantes no llevaban consigo sus materiales disponibles en un área determinada, por lo que a menudo los cuencos contenían varios metales distintos. Las montañas y mesetas del “techo del mundo” son más ricas en minerales en arcilla. Es por ello por lo que lo utensilios para comer, se fabricaron principalmente con metal o madera durante mucho tiempo.

Nosotros solo podemos copiar el método utilizado de la aleación original, pero era probablemente de la siguiente forma: el metal líquido se vertía sobre una piedra plana y se dejaba enfriar con una plancha de metal. Luego se golpeaba esta planta con un martillo o estampador hasta conseguir la silueta de un cuenco de manera que el metal estuviera bajo tensión máxima sin romperse.

Las inscripciones decoraciones y otras impresiones que decoraban el metal a veces eran punzadas en el mismo. Había un numero de cuencos que tenia mas o menos le mismo sonido pero con pequeñas diferencias en balance de sonido y de la armonia. El cliente escogía entre los cuencos de la misma calidad.

Esto podría explicar por qué hay todavía tantos cuencos en circulación, incluso sin haber sido hechos en la forma tradicional desde hace cuarenta años.

Otra explicación es que muchos cuencos cantores eran platos para sacrificios u ofrendas, y eran muy comunes en los monasterios tibetanos. El hecho de que tengan un sonido especial se debe a que una ofrenda hecha en un plato para sacrificios debe ser armoniza en todo sentido. Por ello, los platos deben tener un sonido puro aunque nunca se golpeen con fuerza. Esto no significa que los cuencos no fueran utilizados como recipientes para comer también. Es posible que las aleaciones de los cuencos suplieran potencias homeopáticas de minerales esenciales de una dieta. Por ejemplo, una mujer que acabara de tener un hijo comería en uno de estos cuencos durante un mes entero.

Pero, si los cuencos estaban hechos realmente por herreros del metal o shamanes nómadas, y si se utilizaban en monasterios a puertas cerradas, entonces hay buenas razones para que todos guarden silencio sobre su uso shamanístico y de cantos y para responder a las preguntas con un "no lo sé" o restarles importancia calificándolos de "cuencos para comer". El Budismo es la religión dominante en el Himalaya, donde se encontraron estos cuencos. Los "cuencos cantores" no se utilizan en los rituales budistas "oficiales". Nadie admitiría abiertamente que poseen estos objetos que implican la práctica de rituales shamanísticos. Durante siglos incluso la gente de países cristianos ha tenido que ocultar el hecho de que utilizan rituales precristianos todavía. Pero todos necesitamos recipientes en los que comer, así que uno puede comprarlos en todo momento abiertamente y colocarle en su casa para usarlos. No importa para lo que fueron utilizados...

Podría haber muchas razones para que estos cuencos no se hicieran siguiendo el método descrito, durante los últimos cuarenta años. Un plato para comer hecho de metal es muy difícil de fregar. Así que en aquellos lugares donde se utilizaban para comer, han sido sustituidos por porcelana y cerámica importada desde China. Si los recipientes se utilizaban para rituales de ofrendas, la razón fue la invasión china del Tíbet. Con la destrucción de tantos monasterios, la demanda de estos platos para ofrendas se frenó repentinamente. Por esto, no existe ya la necesidad de nuevos cuencos. Los cuencos existentes pueden cubrir la demanda actual. Pero con exportaciones crecientes, sobre todo a los Estados Unidos, surge la pregunta de por cuánto tiempo continuará eso. Si llegara a haber una mayor demanda de nuevos cuencos (y cuanto más descubran los comerciantes occidentales, mas llegaran estos a ser una demanda comercial que lo comerciantes locales cubrirán y no se fabricará ya mas de la forma antigua. Los herreros nómadas parecen haber desaparecido. El conocimiento que se les proporcionó desaparecerá con ellos.

CARACTERÍSTICAS EXTERNAS

Cuando se comparan un número de cuencos cantores poniéndolos cerca los unos de los otros, es obvio que existen muchas diferencias en cuanto a las formas y sonidos. La mayoría de los cuencos son de un color más o menos dorado. Son redondos, pero el radio de la circunferencia y la profundidad varían. Hay cuencos poco profundos y muy anchos, e incluso los hay con base completamente plana y con bordes rectos y pequeños. Algunos tienen un pie, lo que les da la forma de un cáliz. Son generalmente bastante pequeños y más bien escasos. Los cuencos con la llamada base "botella" que se levanta de forma cóncava contra el cuenco, se fabrican principalmente en la India. Son bastante delgados y producen un sonido diferente al de los posteriormente mencionados "cuencos himalayos". El grosor y el color del material que se emplea varían de un cuenco a otro. Los cuencos que tienen un color dorado brillante se hacen con un material muy fino, y son de forma redonda y bastante pequeños. Son cuencos japoneses generalmente. A menudo producen un sonido limpio, más parecido a una campana.

El sonido está determinado por la forma y el grosor del material, al igual que por el grosor del canto. El color no tiene efecto alguno sobre el sonido. Hay ciertos cuencos rematados con una capa de barniz negro mate, normalmente por el exterior. Esta capa debe estar ahí y no interfiere en el sonido. Si uno compra un cuenco mate y lo pule, puede influir en el sonido. Al pulir el cuenco, se le quita una capa de material con lo que el grosor del canto se altera permanentemente. La mayoría de los cuencos se encuentran decorados de alguna forma, por ejemplo, con impresiones en forma de aros, estrellas u hojas. A veces hay una inscripción en la parte externa. Esta inscripción está hecha en la escritura Devangiri que se usa en Nepal, e indica el nombre del dueño. A veces la escritura es tibetana, y ésta también se refiere al nombre del dueño o de la ceremonia para la cual se utilizaba el cuenco. Las inscripciones Devangiri sugieren que los cuencos cantores son originarios del Nepal. Sólo se conocen como cuencos tibetanos porque los refugiados tibetanos del Nepal se ganaban la vida con sus actividades tradicionales por ej., el comercio. Comerciaban no sólo los productos que traían consigo, sino también artículos que encontraban en la tierra que los hospedaba. De todas formas es muy probable que los cuencos con inscripciones Devangiri procedieran del Nepal.

Los cuencos decorados pueden también ser llamados "cuencos calendarios"; por ejemplo, la decoración podría ser un calendario lunar o un calendario de Júpiter. El uso exacto de estos cuencos calendarios no se conoce por más tiempo, pero es probable que el sonido del cuenco y el movimiento de unas pocas gotas de agua vertidas en él indicara qué poderes celestiales estaban presentes ese día, y cuál era el día más propicio para utilizar el cuenco; por esto, sólo "cantaría" de la mejor manera en su "propio" día astrológico.

El conocimiento y sentidos especiales con los que se pueden calcular y utilizar de todas las formas posibles las influencias de los cuerpos celestiales se descubrieron en otras culturas al igual que en Asia. Por ejemplo, la cultura egipcia, más cercana a nosotros, todavía presenta un rompecabezas en parte sin resolver. Los druidas célticos también poseían este tipo de conocimiento y sensibilidad. (Quizás los cuencos cantores son una forma de revivir estos sentidos perdidos.

Si posees tu propio cuenco cantor será difícil y a veces imposible si es realmente un cuenco calendario (aparte de si se toma como base alguna inscripción de signos que se encuentre en el interior del cuenco) averiguar con qué planeta se asocia el calendario, y cómo puede usarse.

Algunos cuencos, especialmente aquellos con inscripciones de aros, estrellas u hojas, reaccionan como cuencos fuentes chinos cuando se llenan de agua hasta la marca del aro y se les hace vibrar golpeándolos o frotándolos, y una o más "fuentes" pueden llegar a fluir. Si una figura de estrella llega a aparecer en el agua, la cual fluye en forma de fuente desde el centro, el cuenco se denominará "cuenco estrella".

EL SONIDO ES FORMA

Estos fenómenos maravillosos tienen una explicación. El sonido es vibración, y la vibración es música en forma tridimensional. Hans Jenny ha tomado unas fotografías de las formas del sonido en el agua soberbias. Chladni esparció finos granos de arena (o de hierro) sobre una lámina de vidrio o metal, e hizo vibrar la lámina golpeándola con el arco de un violín. Instantáneamente la arena se agrupa formando preciosas formas geométricas, más bien como un mandala. Cuando se trasladaba la lámina de metal a otro sitio, se formaba una figura diferente.

Cuando se hace vibrar una superficie (una fina lámina de vidrio o metal o la superficie del agua), estas vibraciones se difunden en todas direcciones con la misma intensidad. Debido a que todas ellas se producen de la misma forma, estas ondas son iguales en cualquier dirección en que se esparcen. Cuando una o más de estas ondas sonoras idénticas se encuentran, se anulan las unas a las otras. El lugar donde coinciden se llama punto de encuentro.

La arena que yace en la lámina que vibra se sacude con las vibraciones. Se acumula en las zonas que no vibran (los puntos de encuentro) y de esta forma aparece un dibujo de líneas, Este parece como si fuera un dibujo bidimensional en la superficie plana, pero en realidad el sonido tiene una forma tridimensional. Las vibraciones se transmiten en todas direcciones, no sólo en el plano que ha sido sacudido. La forma tridimensional del sonido se puede ver en el agua. El agua es un medio fácil de hacer vibrar, y estas vibraciones viajan por una larga zona. Se puede hacer vibrar un cuenco lleno de agua frotando o golpeando el canto; entonces las vibraciones se difundirán por la superficie del agua en todas las direcciones. Si la vibración se hace más intensa debido a un frotamiento prolongado o a una forma especial de golpear el cuenco, las vibraciones chocan las unas con las otras de una forma que las ondas se elevan literalmente las unas a las otras. Las partículas a veces se alzan varias pulgadas por encima de la superficie del agua. Esto puede convertirse en una o más fuentes de pequeñas y chispeantes gotas de agua.

ARMONIAS NATURALES

Sea lo que sea lo que los himalayas usan, una cosa es segura: la gente de Occidente a .impresionada de una forma especial cuando oye por primera vez el sonido antor. ¿Significa esto que nosotros no podemos satisfacer nuestro deseo y con la riqueza de sonido existente en el mundo Occidental? O deberíamos preguntarnos: ¿cuál es la diferencia última entre los sonidos producidos por los cuencos sonidos de nuestra propia tradición musical? La "música" no es un fenómeno causal. Más bien todo lo contrario: todo puede en última instancia volver a convertirse en música. El universo entero y todo lo que tiene lugar en él consiste en una serie de partes que se relacionan las unas con las otras de una forma musical y armoniosa. Significa que de todas las conexiones teóricamente posibles y de las correlaciones que existen, las partes más pequeñas conocidas, así como las más grandes y visibles, escogen siempre relaciones y conexiones que corresponden a los intervalos audibles en música. Incluso estos intervalos no son escogidos al azar: de todas las notas teóricamente posibles, las que son escogidas tienen una relación particular. Por ejemplo, si se hace vibrar una única tabla sonora, y luego se deja resbalar el dedo a lo largo de la cuerda para acortar gradualmente la parte que vibra libremente, sería posible, en teoría, oír subir el tono. De hecho las notas que se oyen siempre cambian en intervalos de tiempo regulares. En otras palabras, el universo entero, o para decirlo en términos más simples, todo en la naturaleza se prepara a sí mismo para tener relaciones musicales, de la misma forma.

Cuando se hace vibrar una cuerda, se produce su propio tono básico, pero por encima de todo esto se producirá una escala de armonías resonantes entera que incluye todos los tonos y semitonos con intervalos decrecientes. En la música occidental se presta menos atención a estas armonías que en la oriental. Campanas, gongos y platillos o címbalos, así os que proceden de Asia, producen armonías que van más allá de las que producen los instrumentos que utilizamos en Occidente.

Series distintas de armonías resuenan en intervalos naturales que se encuentran a través de la naturaleza. No siempre nos suenan tan armoniosos. En la "música" basada en los tonos de diferentes notas básicas (acordes), los europeos occidentales usan do en octavas. Con dos notas sucesivas, la frecuencia (velocidad de vibración) de la nota más alta es exactamente el doble que la de la nota más baja. Suenan "igual", y esto se aplica a todas las demás notas (Re, Mi, Fa, Sol, La y Si) y sus semitonos.

El intervalo más armonioso para nuestros oídos es una quinta, por ej., dos notas cinco notas aparte. Hay una quinta perfecta que tiene un intervalo de tres notas enteras y un semitono, y una quinta disminuida, la cual comprende un intervalo de dos tonos enteros y dos semitonos. Empezando con un "Do" y avanzando en quintas perfectas, supone doce quintas el alcanzar el próximo "Do". Este ciclo de doce quintas se llama "círculo de quintas". En un círculo de quintas hay ocho "Does", incluyendo el primer y el último Do, Esto significa que el círculo consiste en siete octavas. Sin embargo, si se calcula la frecuencia en números, encontramos que siete octavas ascendentes tienen una frecuencia juntas de 128, mientras que doce círculos ascendentes de quintas juntas (hay una diferencia de 1.5 en la frecuencia de la nota más baja y de la más alta de una quinta) tienen un número de frecuencia de 129.75. ¡Queda demostrado así que no existen los intervalos perfectos!

En el siglo XVI un príncipe chino hizo el siguiente descubrimiento: cuando los instrumentos estaban afinados, los intervalos se acortaban artificialmente. Un siglo más tarde, J.S. Bach escribió "El Clave Bien Temperado", la primera composición europea larga que se basó en este nuevo principio también llamado de temperatura.

Desde entonces, sólo hemos escuchado música en la que todos los intervalos son demasiado cortos en comparación con su longitud de onda natural. El pensamiento racional ha puesto limitaciones al sonido.

Los gongos y los cuencos cantores se abren paso a través de estas barreras artificiales. La vibración natural de los intervalos entre la armonía se puede oír claramente. Suenan diferente. Nos afectan de un modo diferente. Algunas veces los sonidos bien templados se toman por defectuosos por los oídos Occidentales. De hecho sería más correcto llamarlas "multiarmonías". El sonido comprende distinciones más sutiles de las que somos capaces de oír en los intervalos calculados de una octava bien templada.

SINCRONIZACION Y MASAJE INTERIOR

El sonido crea y adapta.

Existe un tercer aspecto que es tan importante para el entendimiento de los efectos de los cuencos cantores y el por qué se utilizan cada vez más en la terapéutica. Este aspecto tiene relación con la tendencia de los objetos que poseen movimientos casi idénticos, para llegar a moverse en una sincronía total. Christian Huygens, científico del siglo XVII holandés notó que cuando dos péndulos se situaban uno junto al otro, empezaban a oscilar al unísono. De manera similar, después de un rato, dos movimientos ondulatorios que son casi aunque no totalmente iguales, cambian y se vuelven cada vez más similares hasta que llegan a ser iguales. Esto se llama "la adaptación colectiva de fases" o sincronización. Las mujeres están ya familiarizadas con este fenómeno por su ciclo menstrual. Las amigas o hermanas que viven en la misma casa tienen el periodo al mismo tiempo muy a menudo.

A mucha gente se le conmueve el espíritu cuando escucha el sonido viviente de los cuencos cantores. Este sentimiento es menor cuando el sonido está grabado. A veces el sonido inspira el sentimiento de un gran espacio o de una paz profunda. Estas y otras experiencias no son frutos de la "imaginación", o de la "creencia" como tienden a sugerir las personas que no han experimentado este fenómeno.

Más allá de esto, el sentimiento de bienestar físico después de un "baño" de cuenco cantor no se debe únicamente a la relajación.

Hemos visto ya que el agua es una perfecta cargadora de vibraciones. Cuando se golpea un cuenco cantor se puede sentir que el aire que rodea el cuenco también vibra. Las personas que nunca han oído nada sobre cuencos cantores y no saben qué son las frecuencias, incluso experimentan esto cuando ponen sus manos sobre un cuenco cantor, por primera vez. Las poderosas vibraciones se expanden rápidamente por nuestro cuerpo, que consiste en más de un 80% de agua después de todo, con lo que se convierte en un delicado masaje interno por todas las células. Los fisioterapeutas también hacen uso de estos masajes internos con ondas sonoras ultrasónicas.

¿Qué se quiere decir con "unificación de fases"? El cuerpo humano es una entidad viviente de vibraciones y longitudes de onda. Un órgano saludable se encuentra bien templado lo que significa que únicamente vibra con su propia frecuencia, mientras que la frecuencia un órgano con una disfunción se ve alterado. Los cuencos cantores (al igual que los gongos y cascabeles) recrean la frecuencia armónica original, y estimulan el cuerpo para descubra de nuevo su propia frecuencia del cuenco, de manera que cuando llega a estar sincronizado, puede vibrar independientemente.

Una vez que el cuerpo ha sido estimulado y despertado por las poderosas vibraciones d cuencos cantores, es capaz de afinarse su propia frecuencia inalterable.

EL SHAMANISMO Y LAS ONDAS CEREBRALES

En la tradición shamanística, el sonido se ve como un camino para entrar en otros mundos y realidades. En el pasado, el acceso a esta otra realidad era un secreto excepcionalmente guardado y sólo podía ser comprobado después de un largo período de estudios, meditaciones y ceremonias especiales. Ya bien metidos en este siglo, todas las enseñanzas e información sobre los yoghis y shamanes y sus actuaciones en estos "estados de trance consideraban generalmente "secretos" inexplicables o incluso "milagros" o por otra parte trucos inteligentes basados en habilidades de sugestión y a veces de la superstición y credulidad de los espectadores. En los últimos diez o veinte años las cosas han cambiado. La búsqueda de un "propio interior" o "propio sendero" ha permitido que cada vez mas la gente mire más allá de las enseñanzas de la iglesia católica. Las señales que Cristo nos dejó se han llegado a oscurecer por el flujo de dogma y por la discusión litúrgica. El sendero de pensamiento materialista parece conducir literalmente a un "callejón sin salida " con muerte química del medio ambiente. La oratoria cristiana se ha sustituido por la meditación Oriental con todas sus técnicas y los mantras han tomado el puesto del rosario.

El maestro Sufi Hazrat Inayat Khan, que era un famoso músico antes de dedicarse a su labor de guía espiritual, dijo, entre otras cosas, que la música no sólo proporcionaba fuerza a la personas sino que también las transportaban al éxtasis. Dijo que los místicos, a través de los años siempre han amado la música por encima de todo. Los Sufis siempre han considerado la música como fuente de inspiración para sus meditaciones y creen que la meditación con música es más fructífera que la meditación sin ella.

La medición de las ondas del cerebro electromagnéticas ha demostrado que hay un número de longitudes de onda claramente reconocibles, cada una conectada a un estado de conciencia diferente. Sabemos que el estado normal del cerebro produce ondas Beta. Las ondas Alfa están presentes en el cerebro en un estado de meditación y de conciencia en calma. Las ondas Zeta se producen en un estado de "medio sueño" y las ondas Delta se activan solamente mientras se duerme profundamente.

También es posible grabar las ondas que emiten los cuencos cantores. Se ha descubierto que entre los modelos de onda de los distintos cuencos cantores hay un modelo de onda que se puede medir que es equivalente al de las ondas alfa que produce el cerebro. Estos cuencos en particular inspiran un sentimiento de profunda relajación y de "apertura del espacio interior". La información del cerebro se transmite a través de las "neuronas", células nerviosas con largas prolongaciones ramificadas que se conectan para transmitir impulsos nerviosos.

Esta transmisión utiliza las propiedades electromagnéticas de las células para transmitir ondas de comunicación rápida. Cada uno de los diez mil millones de neuronas de la mente humana tiene un potencial ilimitado. Podría ser que la vibración de libre movimiento producida por los cuencos cantores estimule las neuronas para realizar más conexiones. Si esto es así, podría significar que la conciencia literalmente se desarrolla.

UN CORAZON ABIERTO Y UNA MENTE ABIERTA

Merece la pena repetir que los cuencos cantores pueden dar acceso a un campo ilimitado de posibilidades tanto experimentado con ellos como a través de sus efectos internos. Esto no es como decir que es necesario, o incluso deseable viajar a través de este campo en tantas direcciones como sea posible. Primero, el cuenco cantor es algo que debemos disfrutar, sin motivos ocultos.

Las ideas preconcebidas de experiencias posibles sólo serán un obstáculo para lo que ocurra realmente. Si estás impaciente por descubrir algo, puede llevarte mucho más tiempo

Esto significa que quien espera mucho del sonido hará los descubrimientos más grandes no esperando nada de él. Un corazón abierto y una mente abierta son, en última instancia, las señales fiables del sendero que lleva al interior (tanto dentro del sonido como de ti mismo). ando oyes o experimentas algo, de cualquier forma, es importante que tomes nota de la

experiencia la sientas y luego la dejes ir. No le des un gran valor. No saques conclusiones particulares. Recuerda que todos cambiamos y por ello el sonido nos influye de forma distinta. La mayoría de los fenómenos que has experimentado, se volverán a producir. Si no es así, al menos habrás disfrutado de ellos sin quedar prendado, dejando el camino abierto a más experiencias.

HERRAMIENTAS

Los cuencos cantores producen sus tonos de formas diferentes. La primera cosa que necesitas es un "mazo para golpear gongos". El tamaño del mazo depende del cuenco que vayamos a golpear. No hay una guía especial para esto.

Los "mazos de gongos" son palos para golpear instrumentos de percusión, sobre todo los recubiertos de fieltro o lana. Se trata de algo arbitrario y erróneo, ya que cada cuenco tiene sus propios requerimientos. Un cuenco puede sonar mejor con un palo más ligero, mientras que otros necesitan uno más pesado.

Como regla, un mazo de gongo grande producirá toda la riqueza de sonido de un cuenco grande, mientras que es preferible utilizar mazos pequeños para cuencos más reducidos. De hecho, se pueden utilizar mazos diferentes con un solo cuenco. Cada mazo producirá un sonido distinto del rango de la nota básica y de sus propias armonías. Aparte de los ya conocidos mazos cubiertos con fieltro, lana, corcho, cuerda o madera, se pueden utilizar las propias manos como instrumentos de percusión el reverso de la mano, los dedos, las uñas...

Si te gusta experimentar, puedes intentar utilizar casi todo como mazo. Puedes utilizar un único mazo o dos de la misma forma. Si das rienda suelta a tu ingeniosidad y tu gusto por tocar los cuencos cantores, descubrirás muchas sorpresas. Otra forma de hacer sonar el cuenco es frotarlo con un palo duro por el borde del canto del cuenco. Esto produce un efecto similar al de frotar un dedo mojado por el canto de un vaso de cristal. Un tono cantor completo se podría escuchar y poco a poco aumentará el volumen. Por esto responden al término de "cuencos cantores".

Según algunas autoridades, los shamanes de los Himalayas también utilizan los cuencos antores para producir un sonido cantor. Lo mejor es frotarlo con un palo redondo o porra de madre dura. Otra vez, cuanto más fino sea el palo, más alto será el tono que se produzca. Por esto mismo, lo mejor es usar un palo bastante fino con los cuencos más pequeños de alto tono. Es muy difícil utilizar bien, palos delgados con cuencos grandes. La vibración del canto de un cuenco grande puede ser tan fuerte que el palo empiece a "bailar" y esto puede resultar en un desagradable sonido castañeante.

Este castañeo se puede evitar de varias maneras. Puedes presionar firmemente y con fuerza contra el canto del cuenco mientras lo mueves para que el palo no golpee incesantemente. También se puede utilizar un palo más grueso. El mazo de un mortero de madera grande sería muy apropiado. Finalmente, hay otra técnica con la que no hay que frotar el palo alrededor del canto del cuenco, sino que consiste en frotar sólo un poco hacia adelante y hacia atrás en un trocito del canto. A menudo es más fácil utilizar este método para producir un tono cantor en un cuenco grande. Con todos estos métodos, la presión y la rapidez con la que se frote el cuenco, influirá en el sonido y en la intensidad del tono que se produzca.

El penetrante sonido cantor que se crea al frotar el cuenco se debe al hecho de que de esta forma una de las armonías se ve acentuada y desarrollada. Para evitar que el sonido de la madera contra el metal se vuelva desagradable muchos poseedores de cuencos ponen cinta adhesiva en los palos por aquellas partes que tocan el cuenco. Esta cinta debe ser fuerte y suave para evitar sonidos hirientes y para que no se levante al frotarla contra el cuenco. El plástico, como el que se utiliza para forrar libros, da muy buen resultado.

Todo esto muestra que nada es imposible. Muchas personas fabrican sus propios palos para sus cuencos. He visto palos hechos de batas de francha alrededor de una cuerda dura, palos hechos de una larga tira de fieltro hervido en almidón y luego atado fuertemente a un palo. Otros palos se cubren con el tubo del interior de la bicicleta o se fabrican con el mango de madera de una sartén. Personalmente, a veces utilizo el tenedor de una pala de servir ensalada de madera de teca, el cual si se utiliza con cuidado, produce un tono maravilloso, alto y limpio en mi cuenco.

USO TERAPÉUTICO

Los cuencos cantores tienen un inconfundible efecto sobre las personas. Debido a esto, se utilizan cada vez más con fines terapéuticos. Sólo podemos pensar, pues no lo sabemos con seguridad, lo que los originales creadores y usuarios de estos cuencos, quienesquiera que fueran, podrían creer sobre ellos. Aunque nuestra forma "holística" de pensar no distingue entre el cuerpo y el espíritu todavía encontramos difícil no diferenciar e ignorar los procesos del pensamiento analítico al que estamos tan acostumbrado a usar. Por otro lado, el acercamiento shamanístico de "no hacer distinción", era muy diferente. Era un acerca miento no basado en ideas intelectuales ni redescubiertas, sino que estaba sin formar e intacto. Era un acercamiento natural experimentado de una forma muy simple. Hoy en día no podemos seguir pensando así; no deberíamos intentar hacerlo como ellos. Todo lo que podemos hacer es seguir nuestro propio sendero, a la vez que aprender de las viejas tradiciones.

Cualquiera que sienta la necesidad e intención de trabajar con cuencos cantores en beneficio de otros (como terapeutas del sonido o en combinación con otras técnicas), siguiendo su propia ruta de descubrimiento dentro del sonido y de sus efectos en el cuerpo y en el alma, puede investigar sobre las diferentes maneras de trabajar que los terapeutas del sonido ejercen y también siendo tratado por ellos. Cualquier persona interesada en el sonido pero que no quiera tener un cuenco cantor propio puede darse cuenta de que un tratamiento con sonido o un concierto o demostración es una buena introducción a los funcionamientos y trabajos del sonido.

Los terapeutas del sonido a veces tienen talleres en los que se examina la percepción del sonido y las formas en las que funciona, muy profundamente. En estas sesiones, las personas animadas por los mismos sentimientos se conocen y pueden trabajar juntas en el camino del aprendizaje. Pueden ponerse de acuerdo para utilizarse los unos a los otros como objetos después del taller para descubrir e intentar más cosas juntos. Más tarde, aquellos que se sientan lo suficientemente llenos de confianza, pueden ir, poco a poco, contando lo que han aprendido a sus familiares y amigos. Para el proceso de enseñanza es muy importante elegir a voluntarios que estén preparados para contar lo que experimentan en cada estado. De esta forma los terapeutas pueden juzgar lo que pasa y los efectos que causa. Como última fase, cuando se trata a pacientes "oficiales" no siempre es posible preguntarles lo que sucede y lo que exprimentan. Mucha gente no puede describir sus experiencias o prefieren asimilarlas en silencio. Es ésta la razón por la que la exploración y la práctica son tan importantes en la terapia de sonido como en cualquier otra técnica terapéutica.

En otros Generos y recientes videos

2007-09-30T23:34:00.000-07:00

Nuestro amigo TAPON

Otros buenazos: ESCAT
value="http://www.youtube.com/v/hwrYiVgOSrA">

Mi amigo Chino Espinoza,radicado en los Angeles CA

Que es Mùsica??

2007-09-30T18:21:00.000-07:00

Una vez, trabajando en una Escuela,llego un alumno y me preguntò:

Profe: que es Musica.

Esta pregunta lleva mucho significado, por lo que no es tan facil contestar.

Pero aca esta la definicion de Wikipedia, por si algun dia alguien les pregunta:

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - musiké [téjne], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. De todos modos, desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que hay destacados compositores que, en el marco de diversas experiencias rupturísticas, han realizado experiencias que, si bien son musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptual del individuo, así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.)

Elementos de la música

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los silencios.

El sonido (que suena) es la sensación percibida por el oído, que recibe las variaciones de presión producidas generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros y que se transmiten por el medio que los separa que generalmente es el aire. La ausencia perceptible de sonido es el silencio; que es relativo, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza al haber atmósfera.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales: la altura (frecuencia o tono), la duración, la intensidad (volumen) y el timbre.

La altura es el resultado de la frecuencia (cantidad de vibraciones por segundo que produce un cuerpo sonoro), de acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos"; a mayor frecuencia (vibraciones, ciclos por segundo o Hercios (Hz) ), más agudo será el sonido. La longitud de onda es la mínima distancia que existe entre dos puntos en los cuales la presión sonora toma el mismo valor, comparable a la distancia entre las ondas que produce una piedra al caer en el agua.
La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que ésta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos, es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda senoiodal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

Principios organizativos musicales [editar]

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los principios fundamentales de la Música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios varía de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido—si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
Ritmo se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares y en ciertas ocasiones irregulares de sonidos fuertes o débiles, y silencios en una composición.

Cultura y música [editar]

Todas las culturas tienen manifestaciones musicales. Incluso se ha demostrado que las ballenas se comunican gracias a un lenguaje sonoro que podríamos llamar musical al igual que la mayoría de las aves, lo que sugiere un posible origen filogenético común.

La música está ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, y es expresión de éstos últimos. Estos acontecimientos no son universales, por tanto no podemos decir que la música sea universal, por lo menos en cuanto a su contenido, significado e interpretación. Por ejemplo, es probable que las obras de Mozart carezcan de sentido musical para un indígena de Borneo (quien entiende la música a partir estructuras psíquicas diferentes a las del mundo occidental).

El compositor (creador de música), delega en el intérprete (emisor) la ejecución de sus obras que en ocasiones, transmiten en la música determinados hechos y sentimientos a través de una secuencia de sonidos. También existen culturas musicales que no tienen en cuenta la separación occidental entre creador/intérprete ya que la música es improvisada principalmente.

Como ven es una forma integral de contestar.

Videos en "VIVO" de "Musicos Ticos"

2007-09-18T22:57:00.000-07:00

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http://www.youtube.com/watch?v=ySEgDIdtxVA

ESTE ES UN PIQUE ENTRE TIMBALEROS,CON SON DE TIQUICIA , OJO CON WALTER FLORES

Marfil con su Menealo:

El Chizo

Fotos del Recuerdo

2007-09-16T20:33:00.000-07:00

JAQUE MATE

CUARTA

JAQUE MATE

LA EMPRESA

BLANCO Y NEGRO

LA PANDILLA

JC ROJAS

De un album viejo encontre estas fotos...
No olviden estar visitando esta entrada, todavia me falta meter un monton mas..

Alfa 7 (años 70s)

Periquin,trompeta,Hugo Salas,Cantante.Gabriel,tumbero.Anibal,trompeta.Manuel,piano.Arturo,sax.Julio Espinoza,bateria.y Norma Arguello,CAntante.

Jacarè
Hugo Salas, Fernando Garrote,Chucherias,yo,Johnny Muñoz,Perico trompeta.Milton Rojas(bajo)

La Maffia

Aca yo,con el sax de Jossie Esteban.

La Gira a Brazil, con Marfil
Tipi,Omar,Conejo,Armando,Calique,yo, Memo. Falto Chapo.

La Maffia en sus mejores tiempos

Victor Zuñiga y Johnny Muñoz en mi apto en eTibas. (año 85)

Recuerdan a "Pino" gran mùsico.

Yo, con Alvarito Avila

En una escena de filmacion de video de la Pandilla.

Me gustaria que todos los lectores aportaran una foto para hcer un solo album de los musicos ticos.

OVEJA NEGRA

Se nos fue un gran amigo y musico

2007-09-12T10:36:00.000-07:00

Jorge Campos. Esta foto resume su vida... El creador de "Lindaaaa Carter"

Desde niño siempre sonriente

Lo que mas me dolio, fue ver su saxofon al lado del feretro.

Se fue un gran ser humano, talvez ignorando que tanta gente que lo queria ..

Jorge, tenia dos ambientes, el de musica clasica, de bandas y el de los matachivos.
Llegaron todos los grupos representados, por alguien, pero ninguno falto. Tantas anecdotas, tantas historias y episodios de su vida....Y nos fuimos con la insertidumbre de la causa de su muerte.

Por ahora lo que queda es rezar por el para descanse con el Señor...

Videos 80`s de Musicos Ticos!

2007-09-10T15:19:00.000-07:00

Los Alegrisimos

MARFIL
Represento,Marfil

Menealo,Marfil (en vivo)

Tiempos de Verano (Baby Rasta)

LA PANDILLA

El Mamey

Javier Cartin (Las cosas que nos pasan en la vida)

Criticon

La Bamba

LA MAFFIA
Los musicos (La Maffia)

De La Banda

Esta Cobardia

La Pastilla del Amor

La Cobardia (La Banda)

BLANCO Y NEGRO
Guiri Guiri (Blanco & Negro)

Jaque Mate
choricero

Me enamoro.

El Pipiribao

El Cangrejo

Canchis Canchis

HIcsos
Hula Hula

LA Empresa
El Play Boy

Manantial
Julieta

Un Cafe para Platon

Solo para ti

Canela

Amada mia

Simplemente

Fantasia,Canela

Papel y Lapiz
Amor te vas

Lamentable Noticia

2007-09-09T21:18:00.000-07:00

Debo pasar por la pena de comunicarles que nuestro amigo, compañero y excelente musico saxofonista Jorge Campos, HA FALLECIDO.

Mi pesame para su familia, y que Dios lo tenga en su gloria.

Creo que esta es la noticia:

Recuperan cadáver del río Virilla:

ESTUVO TRES DÍAS MUERTO EN UN RÍOALEJANDRO FONSECA HIDALGOafonseca@diarioextra.com

Fotos: Héctor Rodríguez

El cuerpo fue recogido por miembros de la Fuerza Pública y un agente del Organismo de Investigación Judicial.
El cadáver podrido de un hombre de entre 26 y 30 años apareció ayer en las márgenes del río Virilla, en el sector de Las Gradas, en la primera entrada de la ciudadela La Carpio, en esta capital.El hombre estaba chingo, solo con una camisa celeste medio puesta, según contó María de los Ángeles Umaña, vecina que fue a traer leña y se encontró con tan horrible escena.
El cuerpo, que tenía al menos tres días de estar en el río, según fuentes allegadas a la investigación, fue hallado en un zacatal, el cual al descender el caudal queda completamente seco.
“Yo lo miré que estaba chingo, pues solo tenía puesta una camisa celeste. Ha de tener unos 26 ó 30 años. Tenía varias cortadas en la cara y un hueco en la frente, me pareció como un balazo.
Estaba tirado dentro del río pero en una parte de tierra porque cuando llueve el río se crece y ha estado lloviendo mucho”, declaró a DIARIO EXTRA María de los Ángeles Umaña.
Esta mujer y algunos curiosos que llegaron al lugar dijeron haber conocido al fallecido, “es de la primera entrada de aquí, de La Carpio. Lo hemos visto, pero no sabemos cómo se llama”, manifestaron.
El hombre era de piel blanca y los vecinos confirmaron su estado de putrefacción, pues dijeron que olía feo desde días atrás.
La autopsia de este cadáver estaba para ayer y hoy podría conocerse la verdadera causa de muerte, pues no solo está la versión de que murió ahogado sino que pudo ser ejecutado o que se golpeó con una piedra.
Se desconoce la identidad del fallecido pero se está a la espera de que alguna familia de La Carpio busque a las autoridades ante una posible desaparición.

Compositores Nacionales,(MEP)

2007-09-05T16:56:00.000-07:00

Alcides Prado Quesada
Julio Fonseca

Alejandro Cardona
Julio Mata Oreamuno

Allen Paulino Torres Castillo
Lorenzo Salazar Morales

Alfonso Quesada Hidalgo
Luis Castillo Campos

Alvaro Esquivel Vlaverde
Luis Diego Herra Rodríguez

Benjamín Gutiérrez
Manuel María Gutiérrez

Bernal Flores Zeller
Manuel Rodríguez Caracas

Carlos Enrique Vargas
Manuel ‘Melico’ Salazar Zúñiga

Carlos Gutiérrez Gutiérrez
Mario Alfaro Güell

Carlos Guzmán Bermúdez
Marvin Camacho

Eddie Mora Bermúdez
Paulino Porras Hidalgo

Emmanuel J. García
Pilar Aguilar

Héctor Zúñiga Rovira
Rafael Chávez Torres

Jesús Bonilla Chavarría
Ramón J. Herrera C. “Ray Tico”

Jorge Luis Acevedo Vargas
Ricardo Mora Torres

Jorge Villalobos Villalobos
Ricardo Ulloa Barrenechea

José Daniel Zúñiga Zeledón
Rocío Sanz Quirós

José Joaquín Vargas Calvo
Roberto Gutiérrez Vargas

José María Zeledón Brenes
Ulpiano Duarte Arrieta

informacion sobre cada uno, visite
http://www.mep.go.cr/Docentes/Compositores.html

Lo que dice Internet de los Musicos Ticos

2007-09-05T16:43:00.000-07:00

Categoría:Cantantes de Costa Rica
De Wikipedia, la enciclopedia libre

Se listan 3 artículos de esta categoría.
E
Enrique Ramírez
G
Maribel Guardia
J
José Capmany

Artículos en la categoría «Música de Costa Rica»
Se listan 5 artículos de esta categoría.
B
Baile Popular Querube-UNA
Bailes Populares "Querube", es una agrupación costarricense que tiene el objetivo de mostrar y enseñar el baile popular latino, ya que ha tenido gran aceptación en el pueblo costarricense a través de los años.
La agrupación se formó en el mes de marzo de 1996, como parte de los grupos representativos del Departamento de Promoción Estudiantil de la Universidad Nacional de Costa Rica ubicada en la Provincia de Heredia.

Etimología [editar]
Su nombre proviene de la siguiente definición: "Ángeles o espíritus celestes característicos por la plenitud de ciencia con que ven y contemplan la belleza divina". Querube, según los expertos, son los ángeles que representan la alegría de la juventud.

Representaciones y Giras [editar]
En Costa Rica, Querube ha realizado más de 500 presentaciones a lo largo de sus diez años.
Algunas de sus giras internacionales son:
Nicaragua 1999: invitado al Festival Interuniversitario de la Cultura y el Arte (FICUA), en la ciudad de León. En dicho festival, Querube alternó con grupos de artistas de toda Centroamérica y estuvimos presentado el espectáculo "Un Recorrido Bailable por el Sabor Latinoamericano".
Panamá 2000: por invitación del Grupo Juventud Chiricana para participar como único grupo internacional en el Homenaje al folclorista Franco Poveda.
Panamá 2001: Invitación a los Carnavales de Dolega, Provincia de Chiriquí.
México 2001: Gira artística por la República Mexicana con el espectáculo "De Costa Rica con Amor". En esa nación, Querube realizó presentaciones en el Estado de Guerrero, propiamente en Iguala, Cocula y Acapulco. Asimismo, realizamos un recorrido por la Ciudad de Taxco. También estuvo mostrando el espectáculo en Tlaxcala y Puebla, pasando luego por la Ciudad de México.
Panamá 2003: Invitación especial a la Coronación de la Reina de los Carnavales de Dolega; además se realizaron presentaciones en los Carnavales de David con el espectáculo "Seguimos Bailando".
Cuba 2003: La agrupación fue invitada a la "Jornada por la Cultura Cubana", en la cual mostró el espectáculo "Expresiones". Invitados por la Universidad Central "Marta Abreu" de las Villas, ubicada en Santa Clara, se visitó las ciudades de Varadero, Cárdenas, Cienfuegos, Remedios y Ciudad de la Habana.
Guatemala, 2005: Invitación a la II Feria de la Salud Landivariana. Capital Guatemalteca.
Nicaragua, 2006: Invitación de la Federación de Estudiantes Universitarios de Centroamérica (FEUCA). Presentaciones artísticas en las ciudades de Managua, Matagalpa y Estelí con motivo del II Encuentro de Intercambio Cultural.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Baile_Popular_Querube-UNA"

E
Editus

EDITUS es un grupo costarricense con 14 años de experiencia en la escena de la música. EDITUS une el jazz moderno y tradicional, la música "new age" y clásica, sonidos auténticos latinoamericanos, efectos técnicos e investigación académica en una sola expresión artística. En el grupo cada músico marca las composiciones del grupo con su propia personalidad creativa.
Tabla de contenidos[ocultar]
1 Historia y Música
2 Grammy Awards
3 Discografía
4 Ricardo Ramírez - Violín
5 Edín Solís - Guitarra
6 Carlos Vargas (Tapado) - Percusión
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Historia y Música [editar]
EDITUS viajó a más de 30 países en América del Norte, Europa y América Latina, con conciertos en lugares como el Carnegie Hall y Las Naciones Unidas en Nueva York, el Kennedy Center en Washington D.C., el Olimpia en París, el Concertgebouw en Ámsterdam, el Montreux Jazz Festival en Suiza, Monterrey Jazz Festival y Playboy Jazz Festival en los Estados Unidos, así como el Auditorio Nacional y la Plaza del Zócalo en la Ciudad de México. EDITUS ha compartido el escenario con más de 40 artistas muy reconocidos, entre ellos: Rubén Blades, León Gieco, Pedro Aznar, Danilo Pérez, Boca Livre, Daniela Mercury, Eric Rigler, Aterciopelados, y Armando Manzanero.
Durante sus estadías en los Estados Unidos, EDITUS ha tenido la oportunidad de dar conciertos así como cursos (ritmos y géneros costarricenses y latinoamericanos) en las siguientes universidades:
Berklee College of Music, Boston MA.
University of Massachusetts, Amherst and Boston.
Bowling Green University, Ohio
Milwaukee Area Technical College, Milwaukee
University of Wisconsin, Madison
Fairfield University, CT
Lehman College, Bronx N.Y.
University of Florida, Gainsville Florida
Florida State University, Tallahassee Florida
Northeastern University, Boston MA.

Grammy Awards [editar]
EDITUS rápidamente llamó la atención de los críticos internacionales por la calidad de sus interpretaciones y los premios ganados:
En el año 2000, Rubén Blades (cantante/compositor panameño) y EDITUS recibieron el Grammy Award para la Mejor Interpretación de Pop Latino del Año para el tema “Tiempos”.
Después, en el 2003, Rubén Blades y EDITUS ganaron otros dos Grammy Awards en las categorías "Mejor Disco de Música Mundial" y "Mejor Disco Contemporáneo Tropical" para el disco “Mundo”.

Discografía [editar]
Ilusiones (1994)
Siempre, Vol 1 (1995)
Inéditus (1996)
Dibujando Memorias (1997)
Calle del Viento (1998)
De cada uno (2001)
Poética (2002)
Siempre, Vol 2 (2003)
Lo Más New Age (2004)
Editus Clásico (2005)

Ricardo Ramírez - Violín [editar]
Nace el 11 de noviembre de 1967 en San José, Costa Rica. Graduado en Música de la Universidad de Costa Rica en 1990. Ha recibido clases magistrales con Alexander Schneider, Jaime Laredo, Dylana Jenson, León Ara, Andrés Cárdenas, el New World String quartet, Rubén González y Ángel Reyes.
Trayectoria Musical 1983 - 1988 Concertino de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Costa Rica. Ganador del concurso "Jóvenes Solistas" (1983) . Gana también uno de los seis puestos del concurso de becas de la OEA para participar en la Orquesta Sinfónica Juvenil Mundial en Interlochen, Michigan.
1989 Solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica (OSN) y con la Camerata Latinoamericana en 1983, 1987, 1995. Con la OSN realizó giras a Estados Unidos, Europa, Centroamérica y el Cono Sur.
Actualmente forma parte del Trío de Cuerdas "Akustic Ensamble" junto a sus hermanos, además del Trío Ménage à Trois junto a los líderes de la Banda Suite Doble: Marta Fonseca y Bernal Villegas.
Ha participado en grabaciones de artistas y grupos costarricenses tales como: "Inconsciente Colectivo", " Gandhi", Bernardo Quesada, María Prétiz, Patricio Torres, Duvalier Quirós, Cantoamérica, Arnoldo Castillo. Internacionalmente ha grabado en producciones de: "Son Miserables" de Panamá, el Grupo “Congreso” de Chile y Álvaro Aguilar (ex vocalista de Alux Nahual) de Guatemala con quien también ha realizado giras.

Edín Solís - Guitarra [editar]
Nace en Zarcero, provincia de Alajuela, Costa Rica, el 22 de noviembre de 1963. Graduado en guitarra clásica del Conservatorio de la Universidad de Costa Rica. Ha participado en cursos de guitarra impartidos por los maestros argentinos Jorge Cardoso y Miguel A. Girolet, el español Demetrio Ballesteros, Francisco Ortiz de Francia y el guitarrista flamenco Victor Monge (Serranito) En 1991 ganó el Concurso Nacional de Guitarra y realizó una gira de conciertos por España, Francia y Alemania, donde participó en cursos de perfecccionamiento. Trayectoria Musical 1985-1990 Guitarrista de Cantoamérica, una agrupación que interpreta música popular afrocaribeña. Con Cantoamérica, Solís realizó giras a Estados Unidos y Guatemala. 1991 Gira a Europa como solista. Ofreció conciertos en la sede de la UNESCO en París, Francia, Santiago de Compostela en España y las ciudades alemanas de Bonn y Colonia. Junto al Grupo Editus, desarrolla su lenguaje como guitarrista. Compone un total de siete obras. Además, figura como arreglista en cuatro temas del disco "Tiempos" y tres del disco “Mundo”, ambas producciones de Rubén Blades.

Carlos Vargas (Tapado) - Percusión [editar]
Nace el 22 de enero de 1971 en San José, Costa Rica. Graduado del Conservatorio Castella en 1987.
Estudió en el programa juvenil de la Orquesta Sinfónica Nacional con Bismark Fernández. Ha recibido clases maestras con el percusionista Giovanny Hidalgo.
Trayectoria Musical
Ha sido integrante de la Orquesta Sinfónica Juvenil y la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica.
Ha acompañado a músicos como Paquito D' Rivera y Victor Monge (Serranito), Abraham Laboriel, Alvaro López, Justo Almario, Diego Urcola. En Costa Rica ha sido parte de: Marfil, Gaviota y Amarillo, Cian y Magenta.
Fue miembro de Cantoamérica, grupo que interpretaba música popular afrocaribeña. Con ellos realizó giras por Estados Unidos, Centroamérica y el Cono Sur.
También fue integrante del grupo Probus Ensamble y actualmente es el percusionista de Malpaís, Kool Jazz y del Sexteto de Jazz Latino.
Como músico de estudio, ha trabajado en sesiones con la mayoría de grupos de Costa Rica y participado en la realización de la música para gran cantidad de películas y documentales

M
Malpaís (banda)
Historia [editar]
No tenemos una fecha exacta para el nacimiento de Malpaís. Comenzamos a formarlo y componer las canciones allá por el año 1999 y es probable que los primeros ensayos los tuviéramos a inicios del 2000.
Comenzamos con seis integrantes, pero no éramos los mismos de ahora. La formación inicial la propuso Iván Rodríguez, y era esta:
• Fidel Gamboa: Voz y guitarra acústica • Iván Rodríguez: Violín y coros • Jaime Gamboa: Bajo y coros • Carlos "Tapao" Vargas: Percusión • Pato Barraza: Voz y guitarra eléctrica • Bernardo Quesada: Voz y teclados
Con esos integrantes comenzamos un trabajo de taller, en el que cada uno proponía piezas, con un arreglo muy básico, y todos íbamos poniendo un poco de cada uno hasta lograr un sonido que nos pareciera bueno.
Ese primer Malpaís era imposible: no había manera de que ensayáramos todos juntos. A los problemas de tiempo de Fidel y de Iván, se sumaban las carreras de solistas de Pato (como líder de Inconsciente Colectivo) y Bernardo (que en ese entonces producía su disco Cuervo Blanco). Fue así como después de casi un año de trabajo, que incluyó la grabación de varias maquetas de algunas canciones ("Abril" cantada por Bernardo, y "Otro lugar" cantada por Pato, entre otras), tuvimos que aceptar que ese grupo original nunca iba a funcionar. Fue muy duro perder a Pato y a Bernardo, pero esa pérdida nos obligó a iniciar la búsqueda de un tecladista.
Por esos tiempos, Fidel y Jaime formaban parte de un grupo de Jazz llamado el "Cuarteto Esporádico", en el que tocaban junto a Kin Rivera y Manuel Obregón. Durante una gira a El Salvador, se le planteó a Manuel la posibilidad de sumarse al proyecto, que en ese entonces ni siquiera tenía nombre. Era noviembre del año 2000.
Con el ingreso de una figura de la talla de Manuel Obregón, y con unas 16 maquetas grabadas, nos dispusimos a encontrarle un nombre al "Proyecto", con el fin de grabar un primer disco. En ese entonces pensábamos ser un grupo de grabación, que se reuniera una o dos veces al año para tocar las nuevas canciones que fuéramos produciendo. Sin embargo, Iván y Jaime insistieron en que hiciéramos algunos conciertos antes de lanzar el disco, solo para probar a ver qué canciones funcionaban mejor con el público.
En la lista para escoger nombre había ocurrencias tan distintas como "Inquilinos", "Abril" o "Derecho de respuesta". Nada nos gustaba a todos. Finalmente a Fidel se le ocurrió tomar un mapa de Guanacaste y levantar una lista con todos los nombre de lugares que se encontrara. Allí, entre "Paso Tempisque" y "Nambí", brilló el nombre de Malpaís.
De Malpaís nos gustaron varias cosas. La primera es que podía ser interpretado de muchas formas: era un nombre local para la gente de la Península de Nicoya, pero era enigmático para los que no eran de allá. Además, contenía una contradicción que valía la pena, pues Malpaís es una playa muy linda, aunque su nombre diga lo contrario. Pensamos que, de algún modo lo mismo podía ser dicho de nuestro pequeño país, al que bautizaron Costa Rica, aunque en su suelo los desalentados españoles encontraron solo unas pobres pepitas de oro. Cuando nos bautizaron éramos precisamente lo contrario de una costa "rica".
En fin, ya con un nombre escogido, hicimos nuestro primer concierto, que fue en el Jazz Café en agosto del 2001. Después de ese concierto inicial, al que llegó mucha gente, hicimos dos o tres más, siempre en el Jazz Café que desde entonces es como nuestra casa. Esos primeros conciertos no fueron siempre muy exitosos. No sabíamos cómo acomodar las piezas, los programas nos quedaban aburridos, tocábamos pieza tras pieza sin decir una palabra y sin explicar nada. Éramos un desastre.
Comenzando el 2002 decidimos que los conciertos definitivamente no eran nuestro terreno y nos concentramos en la grabación. En setiembre de ese año teníamos el disco mezclado en nuestras manos y estábamos decididos a producirlo por nuestra cuenta. Para fortuna nuestra Arnoldo Castillo, quien entonces era Gerente de Sony Music, escuchó el material, le gustó y nos propuso lanzarlo por todo lo alto. Y así fue. En enero del 2003, con el Jazz Café a reventar lanzamos por fin nuestro UNO.
Con el disco en la calle, el rumbo del "proyecto" Malpaís comenzó a cambiar. Para sorpresa nuestra la gente comenzó a escribirnos todas las semanas. En el primer concierto que hicimos después del lanzamiento comenzamos a escuchar murmullos entre el público mientras tocábamos algunos temas. En marzo ese murmullo ya se había convertido en la voz principal: la gente estaba cantando.
Pero lo que quizá nos asombró más en ese momento fue ver que a los conciertos comenzaba a llegar cada vez más un público joven. Siempre habíamos creído que lo que estábamos haciendo podía gustarle principalmente a gente mayor de 25, dado que nosotros estábamos todos por encima de los 30. Pero no fue así. Por alguna razón que no entendíamos, la gente de la U, e incluso muchos adolescentes, nos sorprendieron llenando los conciertos que hicimos en los meses siguientes.
Quizá el momento más sorprendente de esa etapa fue cuando el Ministerio de Cultura organizó la Toma de la Aduana. Allí nos tocó actuar después de Mekatelyu, ¡¡frente a un público adolescente!! Nosotros creímos que nos iban a matar, o a lo sumo que se iban a aburrir como ostras. Pero pasó exactamente lo contrario. Fue después de ese concierto que Iván tuvo la idea de que probáramos haciendo una "toma de la aduana" nosotros solos.
Pero aquí hay que hacer un paréntesis para contarles que en julio del 2003 se había sumado a nuestras filas un nuevo integrante: el baterista Gilberto Jarquín. En un inicio la idea era contar con un baterista suplente que ocupara el lugar de Tapao cuando este tuviera concierto con Éditus. Pero después de varios ensayos con los dos juntos, nos dimos cuenta de que habíamos descubierto un sonido que nos gustaba mucho más que el anterior. La entrada de Gilberto vino a darle una fuerza a la sección rítmica que compensaba perfectamente la falta de otros instrumentos presentes en las grabaciones. Gilberto fue un hallazgo.
Con esa formación, nuevamente de seis músicos, como fue al inicio, llegamos al concierto que marcó el punto de giro en las expectativas de Malpaís: la primera toma de la aduana, en noviembre del 2003. La aduana fue un punto de giro por varias razones. La primera es que encontramos a alguien tan loco como nosotros, capaz de ponerse a organizar conciertos de verdad, sin fijarse en cuánto va a ganar sino solo por el placer y el orgullo de hacer cosas nuevas. Ese loco se llama Francis Villalobos, dueño de la empresa Luzart y excelente diseñador de luces. Con Francis no solo pudimos hacer los dos conciertos en la Aduana, sino también el Palacio de los Deportes y decenas de otros conciertos, sabiendo que contamos con los mejores equipos de sonido y de luces disponibles en Costa Rica.
La segunda razón para la importancia del primer concierto en la Aduana es que nosotros hicimos todo pensando en que, a lo sumo, podíamos esperar unas 500 personas. Después del llenazo de ese concierto vimos que teníamos retos grandísimos por delante. Nos dimos cuenta de que de ahí en adelante teníamos que pensar en grande. Pero no solo en grande por el tamaño de los conciertos, sino principalmente por la calidad de los espectáculos. Toda esa pasión de tanta gente merecía que nos enfocáramos en hacer cada vez cosas mejores.
Con ese panorama, el 2004 fue un año lleno de grandes cosas. Hicimos un segundo concierto en la Aduana, al que llegaron más de 3000 personas. Pasamos varios meses grabando y mezclando nuestro segundo disco "Historias de Nadie", en el que incluimos piezas del primer material, compuestas hacía casi cinco años, junto con varias compuestas ese mismo año. El reto principal fue lograr que este segundo disco capturara el sonido del grupo desde el ingreso de Gilberto.
Aquí vale la pena hacer un nuevo paréntesis para decirles que este segundo disco ya no lo hicimos con Sony, sino con nuestra nueva disquera: Papaya Music. La verdad es que nuestra relación con Sony duró muy poco, debido a que Arnoldo Castillo dejó la gerencia a los pocos meses del lanzamiento de UNO. Después de eso Sony ya no mostró interés en promovernos y los discos quedaron echando telarañas en sus bodegas. Papaya Music, con una auténtica visión de apoyo a la música nacional, le compró a Sony todo lo que tenía allí guardado y lo distribuyó con ganas, convirtiendo a UNO en Disco de Oro (más de 10.000 copias vendidas). Para nosotros además ha sido y es un gran orgullo formar parte de la primera disquera nacional con una verdadera vocación por el rescate y la promoción de lo nuestro, y con un sincero espíritu centroamericano, como lo probó el reciente PAPAYAFEST.
Pero quizá el momento más emotivo del 2004 fue el concierto centroamericano organizado en el marco del FIA a finales de noviembre. Fue un día inolvidable no solo porque Iván y Jaime estaban concluyendo la producción de ese gran Festival en la Estación al Pacífico, con el pitazo de los trenes como música de fondo, sino porque pudimos compartir el concierto más grande del año con amigos muy entrañables, como Adrián Goizueta, Luis Enrique Mejía, Ramón Mejía ("Perrozompopo") y Guillermo Anderson.
Así llegamos al 2005. En febrero hicimos nuestra primera gira por Guanacaste, incluyendo un emotivo concierto en Malpaís. Fue muy conmovedor ver a familias enteras que se movieron desde San José, Naranjo y otros lados para acompañarnos y cantar con nosotros en la tierra que nos ha prestado su nombre y sus imágenes.
En mayo del 2005 hicimos nuestro concierto más importante hasta la fecha, en el Palacio de los Deportes, a beneficio del Festival Nacional de las Artes en Heredia. Ese concierto probó que un grupo nacional sí podía organizar conciertos en escenarios que hasta entonces habían estado reservados a shows internacionales, y que se podía hacer con una calidad que no envidiara en nada a lo que viene de fuera.
En el 2005 también tuvimos nuestra primera salida internacional, a México, y establecimos contactos para seguir saliendo en lo sucesivo, aunque sentimos que nuestra prioridad siempre va a ser el contacto con nuestra gente, la gente que nos ha hecho felices todo este tiempo, desde aquél primer murmullo en el Jazz Café, hasta el coro de miles de voces en el Palacio de los Deportes.
En el 2006 Malpaís organiza otro un concierto importante en la antigua aduana; el 31 de agosto, y 1, 2 y 3 de setiembre, donde graban su nuevo disco: Malpaís en Vivo. Aquí se dan a conocer nuevos temas como: Rosa de un Día, El Bazar de Urías o su ya conocida Contramarea.
Los días 9, 10, 11 y 12 de Junio del año 2007 Malpaís logra repetir su magia presentándose por segunda vez con la Orquesta Filarmónica Costarricense. Las entradas se agotaron en pocos días para los primeros tres conciertos, así que se decidió presentar otra función el martes 12.
El grupo aprovecho esta oportunidad para presentar oficialmente a su nueva integrante: Daniela Rodríguez, que interpretó de manera sublime la canción Consejos de Una Niña. Daniela había estado cantando con el grupo de desde hacía varios meses, pero durante los conciertos en el Teatro Melico Salazar fue introducida finalmente como integrante del grupo.

Integrantes [editar]
Fidel Gamboa (Voz, guitarra, flauta, arreglos y dirección musical)
Jaime Gamboa (Bajo y coros)
Iván Rodríguez (Violín, mandolina y coros)
Gilberto Jarquín (Batería)
Manuel Obregón (Piano, teclados, marimba, caracol y coros)
Carlos "Tapado" Vargas (Batería y percusión)
Daniela Rodriguez (Voz y Coros)

Integrantes pasados [editar]
Patricio "Pato" Barraza (Inconsciente Colectivo)
Bernardo Quesada

Discografía [editar]

Álbumes [editar]
Uno - 2003
Historias de Nadie - 2004
Malpais En Vivo - 2006

Mekatelyu (banda)

Mekatelyu (banda)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
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Grupo de Roots Reggae y sonidos latinos. Se formó en 1998 en Costa Rica. Sus fundadores son Gabriel Dávila y John Akent (JohnnyMan). Su nombre viene del lenguaje afrocaribeño Mekatelyu. El debut del grupo fue en el Festival de la Juventud en La Sabana, en San José, Costa Rica el 6 de febrero de 1999. Luego comenzaron a alternar con otros grupos de la escena Punk y Ska del medio costarricense, como Mod-Ska, Garbanzos, El Guato y Teatromocracia, entre otros.
En 1999, a los 4 meses de haber formado el grupo, grabaron su primer disco "Comin' Now", donde se fusiona el reggae con calypso, raggamufin y ska. Entre los temas, destaca Amarily Love Reggae (Yo realmente amo el Reggae) se convirtió en el primer éxito a nivel radial, llegando al Primer Lugar de popularidad en diferentes radioemisoras del país. En Octubre de 1999 grabaron el vídeo para ese tema, fue filmado en Puerto Viejo, Cahuita y Limón por Gustavo Castro, y editado por Cristian Castro.
En 2000 fueron invitados por Enrique Salgado para abrir el concierto de The Wailers, la banda del legendario Bob Marley. Con este concierto Mekatelyu pasó de 4 músicos a una banda de 7 integrantes entre ellos Carlos Quesada (Quesadita) en el trombón, Vladimir Bolaños en el Sax Alto y César Sandí en la Percusión.
En 2001 firmaron con la casa disquera D.D.M. para realizar una labor en conjunto de promoción y distribución más profesional. Gracias a esta nueva alianza sacan al mercado nuevamente el Comin' Now con nuevos arreglos.
En 2002 lanzaron su segunda producción "Entre Raíces" Un disco másmás elaborado donde mezclan su estilo con nuevos ritmos entre ellos la cumbia, la socca y elementos latinos. Dentro de este disco viene su éxito más grande hasta el momento su canción Paren Paren, una cumbia con un mensaje anti-violencia. Esta canción alcanzo los número 1 de las listas en las radios más importantes del país y se promocionó con un vídeo realizado por Mauricio Ariza y Francisco Guerrero Ureña donde se incluyen tomas de violencia callejera, policial, pobreza , folfklore urbano y tomas en conciertos, todo esto visto desde los ojos de un niño.

Premios y Reconocimientos [editar]
Premios ACAM 2006 al Mejor Compositor/Autor de Música Caribeña
Premios Los De La Casa 2006 al Mejor Video Reggae y Video De La Casa como mejor Video del año

Integrantes [editar]
John (JohnnyMan) Akent: Voz principal y Clarinete
Gabriel (Gabo) Dávila: Bajo y Coros ( actualmente Moonlight Dub Xperiment)
Manuel Dávila: Teclados y Coros ( actualmente La Malacrianza)
Mauricio Ariza: Timbales, Percusiones y Coros ( actualmente Sonámbulo)
Mario Vega: Trompeta
Camilo Poltronieri: Guitarra (actualmente Nahual Trio)
Gerardo Soto: Batería ( actualmente Bamaselo y Nada)
Carlos Quesada: Trombón
Arturo Castro: Saxofón Alto
César Sandí: Congos, Coros y Percusión

Discografía [editar]
Mek I Tell Yuh Somtin
Entre Raíces (2002)
Comin’ Now (1999)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Mekatelyu_%28banda%29"

W
Walter Ferguson
Walter Ferguson
De Wikipedia, la enciclopedia libre
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Walter Ferguson, es un calypsonian costarricense conocido como Gavitt, nació en Guabito, Panamá el 7 de mayo de 1919 pero pronto adoptó la nacionalidad costarricense. Toda su niñez la vivió en Cahuita, una aldea de pescadores de la provincia de Limón que lo reclama como hijo ilustre.
Ferguson es el autor de “Cabin in the Wata”, “Callaloo”, “Carnaval Day” y muchos otros calypsos, en los cuales retrata la vida de las aldeas de la vertiente Caribe costarricense con una combinación de humor y tragedia.
Durante la mayor parte de su vida, "Gavitt" se dedicó a interpretar su música sin salir casi nunca de su pueblo y valiéndose solamente de una guitarra, tal fue la admiración que causó en los músicos del Valle Central la sencillez y el poder de su interpretación, que alentó una corriente de renovación del calypso limonense entre los músicos urbanos y, gracias a la influencia que ha tenido en otros músicos costarricenses, como Manuel Monestel y la banda Cantoamérica, que ha ayudado a mantener viva la esencia del Calypso en el país.
Mención aparte merece la particular forma en que Walter Ferguson ha grabado sus composiciones a lo largo de toda su vida. En Cahuita es fama que él mismo se grababa en casetes y en condiciones rústicas para luego vender las cintas a los turistas nacionales y extranjeros que visitaban Cahuita con la idea de conocer al músico legendario de Limón. La historia transcurrió sin cambios hasta la década de los años 1970, en que decidió retirarse de la música, ejecutando desde entonces ocasionales composiciones, pero sin volver a presentarse con la frecuencia y la actividad del pasado.
Hubo que esperar hasta la década de los años 1980 para que apareciera una grabación en acetato, titulada Calypsos del Caribe de Costa Rica, en la cual se recogían algunos de sus temas más famosos. Sin embargo, no fue si no hasta el advenimiento de la compañía discográfica costarricense Papaya Music que se le dio la oportunidad a Walter Ferguson de grabar su primer disco compacto. El primer problema que se le presentó al equipo productor del disco fue que "Mr, Gavitt" no tenía la menor idea de desplazarse hasta San José para emprender la grabación del disco, de modo tal que el equipo de grabación debió trasladarse hasta Cahuita, específicamente, hasta el pequeño hotel que su familia posee a la entrada del Parque Nacional Cahuita, en donde los sonidistas debieron forrar una habitación con colchones y alfombras para aislar las loras y los perros que había en la casa y elevar la temperatura ambiente de modo que se pudieran aislar los sonidos de su voz y su guitarra.
Finalmente, su trabajo valorado y rescatado, pues con la publicación de Babylon, la obra de Ferguson se convirtió en un suceso nacional e internacional, no solo por sus ingeniosas letras sino por las sui generis condiciones en que el álbum fue grabado.
Walter Ferguson ya era una especie de mito en el Caribe Costarricense antes de la publicación de Babylon, pero con la aparición de este disco y de su segundo álbum Dr. Bombodee, su estatura musical lo ha sacado del olvido del mito para convertirlo otra vez en un calypsonian.

Discografía [editar]
Calypsos del Caribe de Costa Rica, 1986
Babylon, 2002
Dr. Bombodee, 2004

Enlaces externos [editar]
Discos de Walter Ferguson en Papaya Music Walter Gavitt Ferguson: El Calypsonian de Cahuita

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/CategorÃa:MÃºsica_de_Costa_Rica"

Aniversario de Marfil

2007-09-04T16:16:00.000-07:00

No es cualquiera el que llega a 35 años de dar calidad y aportar una funciòn tan importante como lo ha hecho Marfil, al representar a C.R. tantas veces en el extranjero.

De verdad me quito el sombrero y los felicito y que sigan adelante hasta donde puedan, ya que estan solos..

Como siempre el ambiente a reventar en el cuartel, y para rematar al final entro (hasta el bar) una comparsa. Imaginense la incomodidad de meter eso en el cuartel..

Estuvo Maisonave cantando 2 canciones, tambien Xavier Cartin

Se reforzo el grupo con 2 trompetas, sax, y trombòn. La cosa se puso muy buena.

Dia del Artista Nacional, en casa presidencial

2007-07-15T23:57:00.000-07:00

El dia del Artista Nacional.

Hace ya mucho tiempo que no veia a tanto musicos juntos. Es grato saber que todavia estàn aqui. Es cuestion de inventar un pretexto para reunirlos a todos, y que no sea solo en un velorio ya cuando se ha ido la persona.

Que bueno que inventaron este dia para reconocer a tanto artista nacional.

Es importante tener siempre la esperanza que todavia se puede hacer algo por rescatar la calidad que se ha perdido.

Deberia haber mas competencia para incrementar la calidad de los trabajos. Esto se lograria si fuera mas facil y barato el grabar. En este pais hay muy buenos musicos y compositores que no tienen que envidiarle nada a los extranjeros. Que por cierto ellos son los que hacen el dinero cuando vienen aca, donde las emisoras los hacen disq famosos.

Me gusto la actitud de los del Gobierno, pocos, pero los importantes.

Tantas caras conocidas

Hubo Homenajes y premios

Hubo Comilona y Tomatinga

Hubo Talento

Son Sax,Expreso,Sandra solano, los Hnos Vargas,son algunos de los que se pararon en la tarima. Los Kines Riveras, los Chiquichiquis, Marfil,y otros fuimos invitados.

Hubo improvisacion (Guataca)

Se hizo homenaje al ya desaparecito Ray Tico.

Se premio a Carlos Guzman,Lencho,Isidor y otros

Mucha gente cree que aqui no hay talento y por eso se importa. Pero no, lo que hay es serrucho!

y algun interes de extinguir lo nacional!?

Los Musicos,tranformacion de las epocas y su cotidianidad

2007-03-30T10:29:00.000-07:00

La vida en los 80s en Costa Rica

Muchos de los músicos que vivieron esa “època de Oro” coinciden conmigo acerca de
La importancia y el aporte de los grupos a la cultura del pais en esas decadas.

Las diferentes etapas que tuvieron los grupos, tienen que ver con la musica de moda. Esta a su vez la determinan las radios quienes supuestamente complacen a los radioescuchas.

Epocas de grandes salones: Los Jocotes, Los Molinos, El gran Parqueo,Los Higuerones,Los Molinos,disco Salsa,Talamanca,el Yugo,El Cruceiro,Sus, etc..

Personajes:

Dorin, la Pechoemono,Osiris. Penacho,carioca,piñapiña,Caiman,El tio Gilber,Pin,

Todos saben que los musicos tienen una vida muy diferente a la gente. De solo pensar que cuando la gente disfruta de su dia o noche libre o quiere bailar, los musicos debemos trabajar.
No quiero decir que no lo disfrutamos.

Bueno empezare con lo que paso alla por los 80s donde veniamos de las orquestas: Hernan Sanchez. Otto Vargas, Paco Navarrete,Lwvin Barahona,etc. que contaban hasta con 25 o mas musicos. Los grandes Bolerazos: mi viejo San Josè... por Kike Guerrero, cuando estes soooola recuerdame.... y todas originales por aquellos musicos ticos.
Luego surgieron otros grupos entre ellos Alfa 7,Taboga ,Marfil,Spartacus,Electra,Olimpicos,Karibù con un formato mas flexible, menos integrantes pero que daban tambien de que Hablar. Aunque intentaron hacer una orquesta de primera como lo fue el Tren Latino no pudieron mantenerla.

El pais pasaba por un cambio. Fue cuando nacieron los grupos pequeños como La Banda, , Gaviota,Taboga (renovado),Via Libre. Mas pequeños, eran mas rentables economicamente.
Mas aun los grupos se multiplicaron. Por ejemplo de la Banda salio la Pandilla (foto arriba) de esta salio la Maffia, luego los Musicos que todavia existe.
En estas camadas de musicos resaltan varios de mucha calidad. Entre ellos, los que salieron del Castella, del la UNA, UCR, y los que venian de los pueblos como Guanacaste, Sn Ramon, Naranjo, Palmares,etc.
En ese momento cambio la musica, ya que empezo el Chiki Chiki, y se revoluciono con videos musicales, los cuales eran como pequeñas peliculas con un guion-historia.

En la actualidad algunos grupos (populares) han caido en mediocridad por falta de apoyo de los medios de la radio principalmente que no quieren programar nada nacional
Musicalmente algunos han caido en las secuencias preestablecidas donde no hay ninguna interpretacion.

Existen excepciones como los grupos de salsa y Merengue.Ej: Son de Tiquicia, La Solucion, Erick Sanchez, Tambien Marfil en otro genero, que luchan por sobrevivir sin perder la Calidad.

Me duele saber que varios musicos se han dispersado en pequeños grupos para que quede ganancia. Se han cerrado muchos salones. Estamos invadidos de artistas internacionales que se llevan todo el dinero.

Por suerte No todo es desastre. Todavia existen grupos como Mal Pais, Editus,Bandas como la de Heredia, Son Sax, Escats, y muchos otros grupos de Jazz y Alto nivel musical.

Pareciera que lo bueno debe ser de gente selecta, que aunque poca es experta en apreciar lo bueno.